Jovialidad Chispeante

La danza del infierno

2011-02-23T16:50:00.000-08:00

Es sabido que Darren Aronofsky siempre se destacó por crear universos oscuros, personajes profundos y situaciones contundentes. Desde el delirio matemático en Pi, el caos de las drogas en Requiem for a Dream, el misticismo en The Fountain, hasta las desgracias de los luchadores en The Wrestler. En su nueva obra, Black Swan, expone el apocalíptico clima que se puede vivir en torno a una compañía de baile.
Black Swan gira alrededor del personaje de Nina (Natalie Portman), quién es elegida para ser la primera bailarina de El lago de los cisnes, el famoso ballet ruso que tuvo diversas interpretaciones a nivel mundial, que narra como la joven Odette (que un hechizo la transformó en cisne) debe encontrar el amor para volver a ser como era; aunque una vez que encuentra a su príncipe, éste es engañado por la malvada Odile que se hace pasar por ella para quedarse con él, llevando al trágico desenlace del suicidio de la primera.
En el intenso film, Nina obtiene la confianza de Thomas (Vincent Cassel), el coreógrafo de la obra, aunque se verá perseguida por Lily (Mila Kunis), otra bailarina que quiere tomar su lugar protagónico a causa de, entre otras cosas, conquistar al hombre en discordia. Aquí se puede apreciar esa eterna conjunción entre el bien y el mal, entre el cisne blanco y el negro.
El personaje de Portman es dulce, inocente, talentoso y sensual, todo lo que necesita para interpretar al cisne blanco, aunque se encuentra confundida y con falta de rudeza para hacer de Odile, el cual sería más natural para Lily.
Nina es una persona perturbada, a la cual le pesara su nueva posición en la compañía y el protagónico en El lago de los cisnes, ya que no solo se sentirá presionada por su obsesión con Thomas y la desfachatez de Lily, sino por el fantasma de Beth (Winona Ryder), su antecesora que en medio de su locura al perder el puesto principal en los escenarios terminaría lisiada.
Black Swan, a pesar de su pretencioso guión, logra hilar positivamente la intercepción entre el argumento del presente de la historia con el de la representación de la obra ficticia, saltar del mundo de la danza al del cine.
El film es avasallante y lleno de adrenalina; esta compuesto de una carga dramática memorable que hace de la psiquis de los personajes, que provoca un brillante descontrol de las acciones al mejor estilo de una opera macabra. Black Swan es una especie de collage entre la locura, la fama, la envidia, el sexo y la muerte; hasta se atreve a incursionar en provocadoras escenas de lesbianismo, cómo en detalles surrealistas muy bien logrados.
Black Swan es un film de emociones extremas que acrecienta la prolífera filmografía de Aronofsky, que dentro de su particular y oscuro estilo cinematográfico concreta una obra muy destacada, que a su vez también resalta con grandilocuencia la excelente interpretación de Portman.

Impecable film sobre la realeza

2011-02-16T18:52:00.000-08:00

Si a al momento de difundir una película se dijera que es sobre el ascenso de un nuevo rey en Gran Bretaña y que éste debido a su tartamudez no se encuentra apto para dar el “ejemplar” discurso que su pueblo espera en épocas de la Segunda Guerra Mundial, su efectividad podría ser un poco dudosa; pero The King´s Speech de Tom Hooper resulta un film más que destacado en estos tiempos de escasez cinematográfica.
La obra del joven realizador inglés narra la relación del monarca (el Rey Jorge VI) con Lionel Logue, un médico poco ortodoxo que conseguiría su esposa (la Reina Elizabeth) para que lo ayude a solucionar su inconveniente con la voz.
En principio hay que decir que el guión de David Seidler posee una gran estructura, y a partir de hechos simples concreta una historia compleja que mantiene el ritmo de las acciones constantemente, que con personajes profundos y muy bien logrados ayudan al lucimiento del trío protagónico: Colin Firth (el nuevo rey), Helena Bonham Carter (la futura reina) y Geoffrey Rush (el médico).
The King´s Speech tiene un orden dramático impecable y las actuaciones tanto de Firth, Bonham Carter y Rush son brillantes, que con cada gesto le dan vida a personajes entrañables, tanto desde un punto de vista más serio, cómo cuando la narración permite un humor negro que, por ende, esta muy bien utilizado.
Otro de los puntos salientes del film es su magnitud visual, ya sea a través de su diseño de vestuario cómo en el de arte; aunque por sobre todas las cosas hay que destacar la fotografía de Danny Cohen, que entre colores opacos y grisáceos hace de los escenarios una verdadera recreación de la época: cada paisaje neblinoso parece digno de la mejor pintura.
En conclusión, se puede decir que The King´s Speech es una película muy completa y atractiva, desde su aspecto visual hasta su gran desarrollo narrativo y la interesante crítica a los procedimientos del universo real en Gran Bretaña; sumados a las sobresalientes interpretaciones de Firth, Bonham Carter y Rush que hacen que el film ascienda al trono dentro una clase de obras que a priori resultan densas, aunque en el caso de la de Hooper el resultado final es todo lo contrario, más bien un discurso al cine.

El eterno conflicto de las relaciones amorosas

2011-02-12T14:48:00.000-08:00

El universo de Woody Allen siempre se caracterizó por presentar las más extravagantes relaciones humanas. En You Will Meet a Tall Dark Stranger, su nuevo film, narrará las desventuras de distintos individuos, en dónde se verán parejas dispares, situaciones desafortunadas que las llevaran a la desesperanza o a destinos inesperados típicos de las peripecias de las tragedias griegas.
La película, como tantas otras de Allen, describe lo conflictivo del matrimonio: Helena (Gemma Jones) y Alfie (Anthony Hopkins) se divorcian tras largos años de casados, siendo que él tomará una actitud un tanto juvenil para devenir con Charmaine (Lucy Punch), una ex prostituta que tiene la mitad de su edad; en tanto que ella, desesperanzada con la separación, tratará de encontrar una alternativa con las prácticas místicas, motivo que también la llevará a conocer a Jonathan (Roger Ashton-Griffiths).
Por otro lado se encuentra la otra pareja protagonista de la historia: Sally (Naomi Watts) –hija de Helena y Alfie- y Roy (Josh Brolin). Ella desilusionada con su matrimonio estará obsesionada con su jefe Greg (Antonio Banderas); en tanto que su marido, un escritor frustrado, encontrará inspiración en su vecina Dia (Freida Pinto).
You Will Meet a Tall Dark Stranger es una combinación entre la comedia y el drama; y ya no es una sorpresa que el propio Allen no este dentro del elenco, pero sí lo es que no haya algún otro actor que haga el papel que éste hubiera hecho años atrás. A pesar de que podemos ver personajes temerosos, inconscientes y un tanto desesperanzados, no se encuentra ese prototípico excéntrico como Alvy Singer en Annie Hall, o para ir más cerca en el tiempo el de Larry David en Whatever Works, obra del 2009 nunca estrenada en Argentina.
El film mantiene la línea de las últimas comedias del director neoyorquino: las relaciones familiares y los encuentros causales que determinaran el hilo de la historia. Allen mantiene siempre esa intercepción entre la farsa y la tragedia, tal cual como jugaba con eso con las dos historias en Melinda/Melinda; hace que los protagonistas pasen de la desesperanza al mayor éxtasis o a la inversa de un instante a otro.
Aunque dista bastante de las obras más trascendentes de Allen como Manhattan o Zelig, You Will Meet a Tall Dark Stranger es un film correcto con personajes complejos que oscilan un universo de interesantes diálogos; y aunque por momentos pareciera repetitivo y un tanto denso, concreta una historia bien lograda entre los tintes melancólicos de los clásicos del jazz, a los que el mítico Woody nos tiene acostumbrados.

Otro hallazgo en el mundo de Sofia

2011-01-27T13:34:00.000-08:00

Francis Ford Coppola fue uno de los grandes realizadores de la segunda mitad del siglo XX dentro del cine estadounidense. Se destacó por crear importantes súper producciones como la trilogía The Godfather o Apocalipse Now; en tanto Sofia -su ya consagrada hija- tomó los rumbos de un cine más indy, dentro de un recorrido en el cual sigue buscando y experimentando con su estilo.

Sus tres primeros films nos llevan hacia las relaciones humanas, más que nada familiares y al eterno problema del que hacer con la vida. En The Virgin Suicides un grupo de hermanas conlleva diversas restricciones por parte de sus padres, derivando en el suicidio de una ellas; en Lost In Translation, un actor maduro y una joven recién casada hacen de su soledad en sus respectivos viajes a Japón una oportunidad para cambiar sus rutinarias vidas; en tanto que luego vendría la versión de Marie Antoinette y su fracasado matrimonio que la llevará al adulterio.

En su nueva realización, Somewhere, Sofia narra la historia de Cleo (Elle Fanning), una niña pre adolescente con padres divorciados, la cual tiene que sufrir siempre la ausencia de su progenitor Johny Marco (Stephen Dorff), quién estrella de cine siempre esta viajando o se encuentra perdido en los excesos.

Ante un viaje de su madre, Cleo deberá convivir y viajar con su padre, el cual se verá obligado a replantear su estilo de vida. El film detalla la relación padre-hija y saliendo de los típicos clichés, destaca los placeres y los inconvenientes de ésta sin caer en los sentimentalismos convencionales.

En Somewhere, se puede ver como Sofia experimenta con un cine mas pausado, con el tiempo de la escena. Los planos son más largos

que en sus anteriores films y las acciones bien detalladas, utilizando la cámara fija en distintas ocasiones. Hay una especie de contacto con el cine alemán de la década de 1980, especialmente por semejanzas al de Wim Wenders

Ya en su anterior película, Marie Antoinette, se veía ese intento de buscar matices diferentes y un detalle de esto fue el interesante contraste entre lo antiguo (el tiempo de la historia) y lo moderno (la musicalización rock).

Somewhere sostiene el nivel de los films de Sofía Coppola, siendo quizás su obra más independiente y personal que retrata una conflictiva relación padre-hija de una manera encantadora y melancólica al compás de la banda sonora compuesta por Phoenix que acompaña de gran manera la narración.

Para dejar en el más allá

2011-01-24T16:18:00.000-08:00

Clint Eastwood es uno de los pocos grandes realizadores del cine moderno, quién asombró como en la madurez de su carrera artística pudo lograr sus mejores films como Unforgiven, Mystic River, Million Dollar Baby y Letters from Iwo Jima. La cuestión es que después de realizar interesantes películas como Changeling y Gran Torino, no cumpliría las expectativas con Invictus, aunque ésta resultaría correcta. Con Hereafter, su nueva obra, intenta concretar una historia muy pretenciosa que entre lo sobrenatural y diversas fábulas corales, no cumple su propósito en ningún momento.

Hereafter intercala las historias de George (Matt Damon), un obrero estadounidense que intenta escaparle a un sorprendente don psíquico que le permite hablar con gente del mas allá; Marie (Cécile De France) una periodista francesa que sobrevivió a un tsunami; en tanto que Marcus (Frankie McLaren) será un chico británico atormentado tras fallecer su hermano gemelo. Todos estos personajes tendrán una estrecha relación con la muerte, motivo que posibilitará que sus vidas se crucen.

A simple vista parecieran historias interesantes y que un realizador como Eastwood podría sacarles su mayor provecho, pero el asunto es que el guión de Peter Morgan es tan flojo que ni el mayor artista podría haber realizado algo atrapante. En este caso, el libreto dista de un gran trabajo suyo como con Frost/Nixon de Ron Howard; en Hereafter cada uno de los tres tópicos tiene poca coincidencia con los otros dos, y si Babel de Alejandro González Inárritu era tildada por este aspecto, en este caso la desconexión es aun mayor.

Por separado, los presentes de George, Marie y Marcus son por momento densos respecto a la narración, y el inconveniente surgirá al tiempo de intercalar las historias, ya que parecen estar unidas por un hilo casi inexistente, lo que provocará un desenlace bastante mediocre y predecible.

Hereafter es el film más flojo de Eastwood desde 2002 cuando realizó Blood Work, y a pesar de escenas muy bien logradas como la del comienzo cuando el tsunami devasta la ciudad donde Marie se encontraba de viaje, en términos generales es una película bastante intrascendente y un paso atrás en esta brillante etapa de madurez del realizador de Unforgiven.

Merecido homenaje a Tati

2011-01-05T13:51:00.000-08:00

Jacques Tati fue unos de los grandes realizadores de la segunda mitad del siglo XX, influenciado por el slapstick y el cine de Charles Chaplin y Buster Keaton, el realizador francés deleitaba con filmes de una grandeza visual e importante crítica social a través de sus dotes para la comedia. Más que nada se valía de los gestos y la acción física y no tanto de las palabras para desarrollar sus historias; y como aquellos grandes cineastas nombrados anteriormente, él también tendría un personaje propio y característico: Mr. Hulot.
L’ilusionniste es un guión inacabado de Tati y uno de sus últimos legados antes de fallecer en 1982. El también francés Sylvain Chomet, director de la destacada Les triplettes de Belleville, adapto este libreto produciendo un interesante y merecido homenaje a uno de los mayores comediantes de la historia del cine que injustamente no es tan recordado como se merece.
Como en su película anterior, Chomet vuelve a optar por la animación para desarrollar la narración y construir un mundo bello de facetas poéticas. El protagonista (el ilusionista) es el típico personaje que interpretaba Tati, un Hulot animado en este caso. Un mago con muy poca fortuna que decide abandonar París para buscar suerte en Escocia, en dónde conocerá a una jovencita que le dará unas cuantas razones para progresar e ir en busca de sus destino.
L’ilusionniste es un film muy poético, de los cuales no necesita de las palabras para expresar sus diversas emociones, es así que los casi nulos diálogos lo demuestran. Es una historia un tanto melancólica muy bien llevada por cada argumento cómico. Los personajes resultan muy expresivos y los escenarios muy pintorescos. Se puede decir que, en ese sentido, los films de Chomet tienen mucho en común con otro gran realizador del cine animado moderno como lo es Hayao Miyazaki.
Pero a parte de sus grandezas visuales y narrativas, L’ilusionniste es muy cinéfila, y en esto tiene mucho que ver el homenaje a Tati, no solo por la transformación animada de un posible Hulot, sino por la noción del cine dentro del cine: se puede observar como en un momento del film el protagonista ingresa por error a una sala dónde se estaba proyectando Mon oncle, quizás la mayor obra de Tati; siendo que en tal escena, se puede ver al ser animado observando a un virtual símil de carne y hueso enmarcado en otra ficción.
L’ilusionniste es un film que se destaca tanto por su faceta en honor a Tati, cómo por sus virtudes narrativas, que entre una agradable banda sonara y cálidos tintes creativos hacen que la nueva película de Chomet no pase desapercibida.

La última tortura del cine actual

2010-08-23T19:36:00.000-07:00

El universo cinematográfico seguramente no se encuentre en un buen momento, ni hablar de lo proveniente del sector hollywoodense que atraviesa una gruesa crisis, más que nada por la falta de ideas, y The Last Airbender de M. Night Shyamalan es un claro ejemplo del deterioro fílmico.
El estado actual del cine estadounidense da mucho que pensar, pero más aun que un realizador haya decaído tanto, aunque eso no sería lo más preocupante, ya que peor aun es la pérdida de una ideología creativa, siendo el caso de Shyamalan muy preocupante.
Se puede decir que los últimos films del realizador indio como Lady in the Water y The Happening no estaban a la altura de Unbreakable o The Village, pero al menos mantenían la cinefilia del director basada en historias relativas a lo sobrenatural, con una filosofía específica y un uso destacado del suspense.
Pero The Last Airbender es todo lo contrario a un buen film, es lo más próximo a la destrucción del cine: una narración convencional, personajes y acciones esteriotipadas, una estética desabrida y efectos especiales que no aportan nada. Es de aquellas películas que no son ni arte ni divertimento.
Como The Last Airbender hay diversos films en los últimos años (por nombrar una la patética Paranormal Activity de Oren Peli), pero lo más preocupante es que a esta no la dirige un novato, sino que un realizador que supo lo que hacía como Shyamalan; y acá no tiene nada que ver esa vieja catalogación de películas por encargo, ya que a pesar de no ser un gran film The Planet of the Apes de Tim Burton tenía una estética y toques personales de su autor.
Para comentar un poco este nefasto film, The Last Airbender intenta ser la típica película fantástica en donde se entrecruza la eterna lucha del bien y el mal; en este caso el mundo se dividirá en cuatro naciones: la del agua, la tierra, el viento y el fuego, siendo este último sector el vil de la cuestión.
Lejos de parecerse a la clásica Die unendliche Geschichte (La historia sin fin) de Wolfgang Petersen, The Last Airbender tomará diversos motivos de ésta y de cierto modo sepulta al cine fantástico. Hasta films intrascendentes de los últimos años como The Chronicles of Narnia respetan más al género que la nefasta obra de Shyamalan.
No queda mucho más por decir ni valdría la pena hacer más exhaustivo un análisis de una obra muy pobre como The Last Airbender, que sobre todo decepciona no sólo por su escasez tanto narrativa como visual, sino por el deterioro de su autor: un Shyamalan que pareciese ser un novato y haber tirado por la borda todo posible pergamino que haya obtenido en el pasado.

La compleja temporalidad de los sueños

2010-08-06T18:19:00.000-07:00

Christopher Nolan demostró en los últimos años que es un realizador de los más importantes de su época dentro del cine norteamericano. Sus films son de gran lucidez visual, cómo de complejas estructuras narrativas que los hacen sumamente originales; e
Inception, su última película, no será la excepción.
Cobb (Leonardo Di Caprio) es un ladrón que se mete en la mente de las personas para manipular sus sueños y poder conseguir codiciados secretos útiles para el ambiente del espionaje. Su vida será un eterno abismo, su mujer (Marion Cotillard) ha muerto y se lo culpa de la tragedia, cuestión que provocará que se separe de sus hijos y sea un fugitivo de la justicia, todo por el turbio entorno de su trabajo.
Los límites de la realidad fantástica, el resplandor de los sueños y las posibilidades de la mente humana no tienen barreras para Nolan. Inception quiebra todos los esquemas de un contexto previsible. Por momentos todo se verá de una manera vigorosa dentro de una línea de tensión majestuosa.
Nolan vuelve a crear un mundo impactante visualmente, pero lo que mejor hace es profundizar en la mente de sus personajes y en las posibles realidades que se pueden crear a partir de sus posibilidades. Si el imaginario y la combinación de mundos paralelos en The Matrix de los hermanos Wachowski eran complejos; en Inception, ciertos enlaces tendrán una relación sublime pudiendo intercalar hasta cinco temporalidades simultaneas con una delicadeza asombrosa.
Por eso no solo es prodigiosa la imaginación del realizador inglés, sino la creatividad para poder unir esas unidades narrativas y nunca desequilibrar la historia. Para esto tendrá un papel muy importante el montaje de Lee Smith, ya que cada plano es intercalado paralelamente con el siguiente para crear una atmósfera de suspenso cautivadora.
Pero volviendo al núcleo temático del film, la cuestión será que Cobb tendrá una última misión, que en caso de salirle las cosas bien, cumplirá una función redentora y podrá escapar de una vez de su perturbador presente. Tendrá que ir en búsqueda de una valiosa información, para lo que contará con la compañía de Arthur (Joseph Gordon-Levitt), Ariadne (Ellen Page), Eames (Tom Hardy), Yusuf (Dileep Rao) y Saito (Ken Watanabe), el magnate que le dará la misión.
Se puede decir que Nolan es uno de los pocos que intenta hacer un cine original en el presente. Siempre al margen de las convencionalidades, cómo con el impacto que produjo Memento, dónde el hilo narrativo se desarrollaba a la inversa de toda estimación clásica, ya que el tiempo transcurría del presente hacia el pasado: el principio era el final y a la inversa.
Este tipo de complejidad es usual en los films de Nolan. Inception posee una estructura narrativa sumamente audaz y es para destacar tanto lo bien que esta manejado este aspecto, cómo los sorprendentes efectos visuales que hacen parecer reales todos los delirios que se irán produciendo en el interior de las mentes humanas.
Para redondear el tema central del origen mental y el desarrollo de los sueños, se podría decir que Nolan toma una perspectiva diferente respecto a otros grandes directores. Todo podrá ser posible en cierto universo, aunque estéticamente distará de una imagen surrealista y delirante al estilo del genial David Lynch en films como Lost Highway o Mulholland Dr., debido a que aportará una visión propia de tales fenómenos, en dónde lo trastornado tendrá un enfoque más real dentro del contexto fantástico.
Inception es otra muy bien lograda película de Nolan. No de un carácter tan profundo o filosóficamente complejo como lo era The Dark Knight, pero sí una obra importante que confirma nuevamente el potencial de un director de los más trascendentes de su época.

Un Freddy desfigurado

2010-05-19T18:30:00.000-07:00

El cine a finales de la década de 1970 y principios de los 80 ha engendrado a través de tres personajes míticos una renovación en el género de terror; ya lejos de personajes clásicos que solían venir de la literatura (Drácula de Bram Stoker o Frankenstein de Mary Shelley), estos nuevos protagonistas serán asesinos seriales tan reales como sobrenaturales.
Esta estética relacionada al rock y al universo de la adolescencia fue llevada por tres directores: John Carpenter con Halloween (1978) y el personaje Michael Myers, Sean Cunningham con Friday the 13th (1980) y Jason Voorhees, y Wes Craven con A Nightmare on Elm Street (1984) y Freddy Krueger.
En la actualidad, más que nada por la falta de ideas, la remake resulta algo más que habitual y estos clásicos del terror no quedaron al margen, y tuvieron resultados poco favorables. Estos fueron los casos de Halloween de Rob Zombie y Friday the 13th de Marcus Nispel, en tanto que ahora también lo es el de A Nightmare on Elm Street, con la nueva versión del film realizada por Samuel Bayer.
Pero ya en el nuevo film sobre Krueger, habrá grandes diferencias respecto a la temática con la película original. Para esto hay que remitirse a lo que la obra de Bayer intenta ser, es una transposición aburridamente fiel a la de Craven intercalándola con algunas ideas trastocadas de Freddy’s Dead: The Final Nightmare (1991) de Rachel Talalay.
La cuestión es que todo el horror y el misterio que se creaba en base a la aparición y origen de Freddy en A Nightmare on Elm Street (la original), y que luego se iría narrando a través de diversos sucesos en las películas siguientes (para terminar descifrando la identidad del personaje en la de Talalay), está casi ausente en esta nueva entrega del film.
La temática de la remake tendrá un cambio un tanto ridículo respecto a la original. Krueger era un personaje maligno, un asesino del cual sus orígenes lo llevan a matar y torturar, en este caso a niños en una escuela; en tanto que en la nueva versión, esto se dará de la misma manera, aunque se pronunciarán indicios para decretar al mítico protagonista como pedófilo, razón que desfigura sin mucho sentido al personaje.
Otro aspecto perjudicial de la temática fílmica de la nueva A Nightmare on Elm Street es la constante repetición de motivos: escenas del clásico de Craven como cuando Nancy esta en la bañera y por debajo del agua surgen las navajas del guante de Freddy, o cuando otra joven es levantada hasta el techo mientras duerme para luego caer muerta y ensangrentada sobre su cama, no le aportan nada a la película de Bayer.
Pero un asunto ridículo y hasta cierto punto irrespetuoso con el film original es la construcción estética del personaje principal: Freddy Krueger. Aquel ser oscuro que supo producir miedo y mantener una identidad en lo que al género se refiere, es modificado por un individuo de un rostro desagradable, pero no entendiéndose en medida que provoque horror, sino que resulta grotesco y feo visualmente, el que aparece en la pantalla no parece ser aquel aterrador asesino que surgía en 1984.
En conclusión, se puede decir que la remake de A Nightmare on Elm Street es un film totalmente prescindible, que entre diversos desordenes temáticos respecto a la original, lo hacen quedar plenamente opacado, y como la mayoría de las nuevas versiones sobre películas clásicas que se hacen en Hollywood, la obra del inexperto Bayer resulta mediocre y poco atractiva.

Las facetas de hacer real la ficción

2010-05-17T18:52:00.000-07:00

El cine de Pablo Trapero siempre se encargó de relatar historias dentro del universo de comunidades específicas, ya sea como la de los trabajadores obreros en Mundo grúa, la de la policía en El bonaerense o la de las mujeres en una prisión en Leonera. En su último film, Carancho, el realizador argentino profundizará en lo mafioso de las fundaciones de abogados, respecto a los accidentes de tránsito y el provecho que intentan sacar de éstos contra las aseguradoras de riesgo.
Sosa (Ricardo Darín) será un prisionero de su profesión y trabajo, un ave de rapiña siempre en busca de algún accidente o provocándolo para el bien de la fundación, entidad que tendrá contacto tanto con la policía como con el policlínico y así evadir sus actos fraudulentos.
Todo será un caos hasta que conozca, en una de sus largas noches, a Pilar (Martina Gusman) una médica que le cambiará sus expectativas de vida, y no sólo será un mero contacto para él, sino que se enamorara de ella.
Trapero trata de mostrar un colectivo social, para a partir de éste contar una historia particular, la de Sosa y Pilar: dos personajes marginales, ya que él posee un pasado oscuro que le hizo perder su matrícula y ella es una adicta a las drogas que sufre inmensos dolores. El realizador argentino tiene como peculiar mostrar una faceta de la realidad como si fuera a través de un juego ficticio, intercalando la crudeza con lo artificioso.
Carancho es una película fuerte. Cada accidente por el que respiran sus protagonistas tiene un sumo condimento morboso, no del esplendor bizarro de Crash de David Cronenberg, sino ambientado a la vida misma.
Como a lo largo de su filmografía, Trapero fue construyendo una estética que a simple vista podría asimilarse a la del registro documental, y que damnificada con una fotografía oscura y de solemnes grises, crea mundos ficticios y tensionantes, pero que bien podrían ser un reflejo de la realidad.
Carancho termina afirmando la madurez a la que ha llegado Trapero, a una especificidad propia entre la acción dramática y los aspectos visuales; y aunque por momentos el film pueda parecer un tanto denso, logra correctamente otra obra característica de su director, siendo fuerte y provocadora.

Siniestra y deslumbrante

2010-04-26T14:52:00.000-07:00

En su nuevo film, Das weisse Band (La cinta blanca), Michael Haneke narrará el crudo estar de un pequeño pueblo alemán a principios de la década de 1910. Un sitio tranquilo, pero dónde sucederán desgracias inciertas y relaciones perturbadoras en un ambiente misterioso y desgarrador.
Los protagonistas serán víctimas del sufrimiento, y muchos de ellos niños, que tendrán que soportar una abrumadora violencia física y moral. El director hará llegar tales angustias de una manera vil y relista, desde la exquisita y fría fotografía en blanco y negro, que en cada momento (a parte de dar cuenta de una historia de época) hace llegar esplendorosamente la oscuridad de los sucesos producidos, al estilo Schindler’s List de Steven Spielberg, pero aun más siniestra.
El film de Haneke no será de aquellos que justifiquen las acciones o den un porqué detallado de las cosas, simplemente cada hecho sucederá y tendrá que ser así. Se pronunciará tanto una imagen sobrenatural como la realidad misma. Sólo se puede decir que Das weisse Band es un claro anticipo de lo que llevó a la psiquis humana a producir la Primera Guerra Mundial en 1914. De ninguna manera se puede hablar de hechos individuales y grupales, sino que intenta manifestar que la maldad esta en las propias entrañas del mundo y en la vida misma.
La puesta en escena de Haneke es categórica y los actores encarnan sus personajes muy vivazmente. Christian Friedel (el maestro), Ulrich Tukur (el barón) y Burghart Klaußner (el pastor) logran, a través de sus expresiones, un andar muy verosímil respecto a lo que se está narrando. Hasta por momentos parecen surgidos del cine mudo alemán de Friedrich Murnau o Fritz Lang.
Es normal que por momentos la historia se torne un poco densa, pero todo lapso narrativo es resuelto con delicadeza. No hacen falta las explicaciones. Basta un gesto, un plano, un diálogo. Desde su concepción estilística y argumentativa, el film trazará muchos paralelos con el cine de Ingmar Bergman y recordados films como Smultronstället (Fresas salvajes) o Fanny och Alexander.
Das weisse Band es una película siniestra y hermosa en cada plano. La obra de Haneke es el cine concebido como arte en tiempos dónde predomina lo comercial y ordinario, de lo cual el director de Caché se desliga completamente con este film, que entre la ironía política, religiosa y existencial, concreta una historia distinta e impactante por su crudeza al momento de retratar cada acción.

Su Edipo interior

2010-04-15T20:17:00.000-07:00

El cine de Daniel Burman se caracteriza por la composición de personajes complejos, inmersos siempre en situaciones que abordan las relaciones humanas y una marcada personificación de tales protagonistas.
En su nuevo film, Dos hermanos, el director argentino estará lejos de tener un guión complejo, con diálogos tan logrados como los de El nido vacío, su anterior película, pero a través de la relación entre sus intérpretes, Marcos y Susana, entre su amor y odio, cómo también sus necesidades y soledades, caracterizará a los personajes más interesantes y oscuros de su filmografía.
Ambos protagonistas están interpretados más que correctamente por Antonio Gasalla y Graciela Borges, él es un indefenso orfebre de poco carácter, en tanto que ella, intenta codearse con el mundo de los eventos y la alta sociedad, para tratar de aparentar una condición social que no es la suya, y será la que lleve el papel dominante en la relación fraternal.
De manera muy diferente, los dos hermanos se verán afectados por la muerte de su madre y a partir de esto se revelará la faceta psicológica del film. Luego de la tragedia familiar, Marcos y Susana oscilaran entre Buenos Aires y Uruguay, siendo en un pueblo de éste último dónde el personaje interpretado por Gasalla participará en una obra teatral independiente de Edipo Rey de Sófocles.
Se sabe que a partir de esta tragedia griega en dónde Edipo, sin saberlo, matará a su padre y se acostará con su madre, Sigmund Freud denominaría como Complejo de Edipo al deseo inconsciente de mantener una relación sexual con el progenitor del sexo opuesto y de eliminar al contrario.
En Dos hermanos, Burman aborda de manera elocuente la teoría de Freud para caracterizar a sus personajes. Ambos solterones: Marcos siempre fue apegado a su madre a la que le concedía todos sus gustos; en tanto que Susana siempre se hallaba del lado de su padre, mostrándose siempre celosa y distante de su progenitora.
A parte del carácter psicológico y el sugestivo lazo que traza Burman entre la obra de Sófocles y la teoría de Freud, es destacado como se manifiesta subliminalmente la apariencia de dos personajes excluidos socialmente, ya que Marcos es homosexual y Susana una trepadora, por no decir casi una prostituta. Él, coqueteando de manera casi inocente con su director de teatro; y ella, siempre tras un hombre para tratar de conseguir un bien propio. Pero todo se muestra suavizado, como secundario, pero de suma importancia para ir desarrollando la personalidad de ambos.

Para concluir, se puede decir que Dos hermanos gira alrededor de sus dos protagonistas: sus sentimientos más ocultos y ese inconsciente Edipo interior que llevan los personajes de Gasalla y Borges; los cuales serán tan entrañables cómo oscuros y solitarios, para terminar siendo de los intérpretes más logrados dentro del universo cinematográfico de Burman.

En el país de la confusión

2010-03-25T19:45:00.000-07:00

Alice in Wonderland, del británico Lewis Carroll, es una de las obras literarias más aclamadas del siglo XIX, la cual fue producto de diversas transposiciones, ya sea para cine, como en óperas y funciones teatrales.
El aclamado director Tim Burton será el que tomé esta historia como la de Through the Looking Glass (obra posterior de Carroll), para crear una nueva narración a su exquisito mundo cinematográfico, aunque en esta ocasión el film será un tanto errado. Para la nueva película, Alicia, más crecida y cercana a los 20 años, volverá al país de las maravillas y se encontrará con los mismos personajes con los que había tenido sus vivencias en la niñez, cuestión que le hará dar razón de que lo vivido no había sido un sueño y por ende los problemas que tendrá que enfrentar en el presente serán reales.
Generalmente los films más logrados de Burton son aquellos más personales como Edward Scissorhands, Ed Wood y Big Fish, los cuales están compuestos de libretos originales o no provienen de historias muy populares; en tanto que mediante a lo que adaptaciones de fábulas masivas se refiere, su nivel artístico no alcanzó la cúspide de su creatividad, como había sido con Planet of the Apes.
Pero hay importantes excepciones que luego fueron grandes películas como Batman (adaptación del comic de Bob Kane) y Sleepy Hollow (de la historia de Washington Irving); aunque en este caso, la transposición de la obra de Carroll será más que floja y lejana a los excelentes films de la autoría burtoniana.
Siempre se dijo que era muy posible que Carroll haya ingerido drogas alucinógenas al momento de escribir Alice in Wonderland y su respectivo universo fantástico, más aun de que éste a través del film animado de Walt Disney haya sido tomado como icono lisérgico a fines de la década de 1960, tras las previas críticas negativas que había recibido en su estreno en 1951.
Pero en este caso, todo lo fortuitamente subliminal que tenía la adaptación de dibujos animados, el nuevo film de Burton lo omite. Recrea una historia que condensa mucha información, atropella las acciones y carece de ingenio, especialmente por el pobre guión de Linda Woolverton, que provee personajes inexpresivos y diálogos poco inteligentes.
Volviendo a los protagonistas de Alice in Wonderland, en este punto es dónde se encuentra uno de los principales inconvenientes de la película, ya que a excepción de la Reina Roja que es interpretada correctamente por Helena Bonham Carter, tanto la Reina Blanca (Anne Hathaway), cómo la propia Alicia (Mia Wasikowska) resultan fríos y apacibles; pero más allá de todo el que afecta más a la estructura narrativa será el Sombrerero Loco (Johnny Depp), quién en el libro original tiene escasa participación y en la película de Burton es uno de los principales, que en vez se servirle al desarrollo de la obra, pareciera que el director le dio tal importancia para cumplir su anhelo personal con su clásico actor fetiche.
A favor del film, se puede decir que está bien logrado estéticamente y que aquella visión barroca de las cosas que propone Burton en anteriores films como Edward Scissorhands y Sleepy Hollow tiene una continuidad artística, en este caso a través de la fotografía de Dariusz Wolski, aunque conociendo la trayectoria de Burton y lo que implica la obra literaria, tanto lo visual como a su vez lo narrativo podrían haber sido más delirantes.
Respecto a lo que implican tecnologías actuales, parece que la película fue hecha en 3D por cuestiones de marketing, ya que se sabe que este recurso digital tuvo una gran aceptación en el público, pero en este caso no le aporta nada al film, al contrario de Avatar de James Cameron que produjo interesantes innovaciones en lo relacionado a la profundidad de campo.
En conclusión, a pesar de algunas certezas estéticas, con Alice in Wonderland, Burton concreta un film muy flojo y pobre narrativamente, que termina siendo desequilibrado, confuso y en ciertos puntos un tanto denso, y que poco tiene de la personal autoría del director, sino que más que nada parece un mero encargo y un paso en falso en la carrera de un genio.

Bueno, pero no como los de antes

2010-03-15T15:32:00.000-07:00

Martin Scorsese es uno de los realizadores más importantes de los últimos 50 años del cine estadounidense, que junto a otros pares como Francis Ford Coppola o Brian De Palma, dieron origen a una especie de nouvelle vague norteamericana.
Con films plenamente intelectuales, políticos y esencialmente “cinematográficos” como Who’s That Knocking at My Door de 1967, Scorsese daría comienzo a una carrera brillante, llegando a un alto nivel de madurez con la aclamada Taxi Driver y la posterior Ragging Bull.
El presente del director norteamericano, a pesar de ser correcto y tener destellos de genialidad, dista muchísimo de aquellas grandes épocas, y su nueva película Shutter Island, a pesar de ser por momentos un interesante thriller, no alcanza las expectativas que un realizador de la talla de Scorsese suele generar.
Los últimos films de Marty como Gangs of New York, The Aviador o The Departed, sólo parecían ser súper producciones sin el máximo de su potencial que tenían en su haber la codiciada llegada a la obtención del Oscar, premio que conquistó por la última de la nombrada serie.
Ya sin el peso pesado de aquella estatuilla sobre la espalda, Scorsese se pondrá a tonó con el cine de género con Shutter Island, un thriller psicológico que oscilará entre el suspenso, el terror y el film noir con una estética bastante oscura y momentos de tensión muy bien logrados.
La película, basada en la novela de Dennis Lehane, narra como Ted Daniels (Leonardo Di Caprio), un comisario ex veterano de la Segunda Guerra Mundial, tendrá que investigar la desaparición de una prisionera de una cárcel mental a la que ha arribado en una lejana isla.
Shutter Island tendrá un comienzo y primera parte interesantemente aterradora, con exquisitos toques de suspenso bien al estilo The Birds o Psycho de Alfred Hitchcock; en tanto que a partir de las distintas situaciones que irá viviendo Ted, experimentará un proceso de locura al que podríamos asimilar a la transformación de Robert de Niro en Taxi Driver.
Pero luego de varias vueltas de tuerca entre el pasado trágico del protagonista y los misterios de la narración, el film se volverá un tanto denso y predecible, y a pesar que Di Caprio resulta un buen actor, dista de lo que era anteriormente De Niro, actor fetiche de los viejos tiempos de Scorsese.
En conclusión, Shutter Island es un film interesante y atrapante por momentos, pero se encuentra lejos de la gama de las grandes obras de Scorsese; aunque a pesar de sus falencias narrativas es un buen thriller psicológico con interesantes destellos visuales.

Otra exquisita pieza del atractivo universo de los Coen

2010-02-27T07:20:00.000-08:00

Los hermanos Joel y Ethan Coen siempre se destacaron por ser creadores de un cine meramente intelectual dentro de los abismos entre el drama y la comedia. Con su nuevo trabajo: A Serious Man, concretaran otra muy buena obra que oscilará entre las ironías que se producen en la vida en torno a un grupo familiar.
Luego de una comedia ligera como Burn After Reading, los Coen desarrollan un film de más tinte dramático pero con genialidades de humor negro, basándose como lo hacen habitualmente a partir de inteligentes guiones y grotescos personajes que dan vida al film.
A Serious Man contará la historia de Larry Gopnik (cuya interpretación de Michael Stuhlbarg resulta extraordinaria), un profesor judio de matemáticas, que tendrá diversos inconvenientes existenciales con su vida y religión, cómo con su familia, ya que su mujer quiere divorciarse e irse con otro hombre, su hermano infringirá la ley y sus hijos le resultarán incontrolables.
El gran acierto del film, a parte de sus divertidos e inteligentes diálogos, será la composición de sus personajes, tan prolijamente profundos y complejos como burlescos. Pero más allá de todo, lo que provocará la atracción será (como en los demás films de los Coen) la verosimilitud de éstos, ya que por la manera de ser como las peripecias que deberán atravesar, tranquilamente pueden ser vistos y analizados a partir de la vida real.
Respecto al protagonista, el personaje que interpreta Stuhlbarg es de un carácter atrapante, de esos que generan un interés especial en el espectador por la complejidad dramática de la interpretación, cuestiones que ya se habían visto más que una vez en el cine de los Coen, siendo Javier Bardem en No Country for Old Men o John Turturo en Barton Fink, para citar tan solo dos de los cuantos ejemplos que se podrían agrupar.
Pero a parte de sus intérpretes, la trama de A Serious Man será más que ingeniosa, ya que las relaciones entabladas entre los personajes principales y las geniales apariciones secundarias, en un marco plenamente irónico sobre la vida y la religión judía hacen del film una propuesta sumamente atractiva.
A Serious Man es otra pieza exquisita en la consagrada filmografía de los Coen, tanto en el plano narrativo como visual, que sumado a las grandes interpretaciones (y el acierto de que no sean actores famosos de la gama hollywoodense) hacen que la película sea de sumo interés dentro del atractivo universo de los hermanos estadounidenses.

El anillo equivocado

2010-02-24T14:18:00.000-08:00

Peter Jackson es uno de los directores más interesantes que se pudieron encontrar en las últimas décadas, desde sus comienzos con films sumamente bizarros como Bad Taste o Braindead, la genial Heavenly Creatures, hasta sus mega producciones como la trilogía de The Lord of the Rings y la remake de King Kong. En este caso, con The Lovely Bones, su nuevo film, el realizador neozelandés construye una película banal e intrascendente que tendrá poco que ver con su interesante filmografía.
El film narra la historia de Susie Salmon, una niña que fue asesinada a los 14 años, y que desde el cielo contará tanto lo sucedido, cómo lo que le irá pasando a su familia y al demente que la mató.
En un principio, The Lovely Bones parece ser interesante, con una historia bien narrada y gustosamente ambientada. Pero a partir de ahí se irá deslumbrando uno de los principales inconvenientes de la obra, que será el inapropiado uso de los recursos del suspenso. Resulta extraño que un conocedor del cine como Jackson, que a su vez utiliza interesantes referencias culturales a la literatura de Albert Camus o Truman Capote, se haya olvidado del legado que dejó Alfred Hitchcock, más aun que la historia que describe, en esta ocasión esta configurada para que se desarrolle plenamente el género.
Pero se puede decir que la parte de la historia que se desarrolla en el mundo real es correcta, y que el mayor inconveniente del film está en lo que ocurre en terreno imaginario, o sea en el universo que se encuentra Susie al morir. Ya nada quedará de aquel surrealismo encantador de Heavenly Creatures, sino que todo será vulgar y estéticamente absurdo, dando la sensación que la imagen se encuentre cargada de objetos ridículos y desafortunados.
Por otro lado, no solo lo visual será lo defectuoso de aquel mundo mágico, sino que respecto a lo narrativo, la mayoría de las acciones que transcurren en tal sitio carecen de mucho sentido, como a su vez las relaciones que tendrá Susie con otras niñas que también habían sido asesinadas por el mismo hombre.
Para destacar del film sólo nos queda la divertida actuación de Susan Sarandon (como la abuela de Susie) y las muy buenas interpretaciones de Mark Wahlberg (el padre) y Stanley Tucci (el asesino).
The Lovely Bones es un film que deja mucho que desear, más teniendo en cuenta la filmografía de Jackson, no siendo exagerado decir que esta vez quedó lejos de las andanzas de J. R. R. Tolkien y se puso el anillo equivocado, al crear una obra para el olvido, que en ciertos puntos parece ridícula y carente de todo tipo de emociones.

Un brillante viaje a los 90

2010-02-10T14:57:00.000-08:00

The Cranberries fue una de las grandes bandas que dejaron los 90 dentro del rock/pop alternativo; en tanto que en la actualidad, el grupo irlandés emprendió la gira que los reunió tras siete años, en la cual se presentaron en el Luna Park brindando un show impecable.
Para la presentación del 5 de febrero, el mítico estadio se encontraba lleno para recibir a Dolores O’Riordan y compañía, que a eso de las 21.30 saltaron al escenario y ofrecieron un electrizante recital de un poco más de hora y media, en donde entre baladas y hits rockeros presentaron los grandes temas de su discografía.
O’Riordan se mostró con toda la energía, saltando, bailando y conversando con el público que le rendía tributo. Con ella se presentaron los integrantes originales de la banda de Limerick, o sea el gran batero Fergal Lawler y los hermanos Mike y Noel Hogan, que deliraron con la guitarra y el bajo respectivamente.
La gran noche de The Cranberries se iniciaría con «How», para seguir curso con dos grandes baladas como «Animal Instinct» y «Linger», clásico de Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?, primer disco de la banda.
El brindado por los irlandeses, fue un show de emociones varias, ya sea por las ganas y complejidad artística por parte de los músicos, como por el repertorio propuesto, en el cual la gran mayoría de los presentes se habrá ido conforme, ya que los temas tocados fueron los más destacados de la banda.
Fue una noche especial, The Cranberries envolvía al público con un sonido impecable y temas como «Dreaming My Dreams», «When You’ re Gone», «Ode to My Family» y «Free to Decide» emocionaban a los presentes y mantenían latente aquel espíritu de los 90.
La energía era sumamente positiva y O’Riordan bailaba y flameaba una bandera argentina que le pasaron del público; en tanto que la gente deliraba cada minuto más al escuchar emotivos temas como «Salvation» de la placa To the Faithful Departed y «Zombie» de No Need to Argue.
Luego de una seguidilla de grandes canciones, vendría un pequeño receso y el eufórico grito del público para que la banda termine volviendo al escenario y cierre el show con «Promises» y «Dreams».
No hay mucho más que agregar. El de The Cranberries en el Luna Park fue un show alucinante que quedará en el recuerdo de los presentes, ya que el espectáculo brindado por la agrupación liderada por O’Riordan supero todo tipo de expectativas y demostró que la banda que había sido icono en los 90 se encuentra de la mejor forma.

Mandela según Eastwood

2010-02-01T15:33:00.000-08:00

El gran Clint Eastwood, ya había incurrido últimamente a historias basadas en hechos reales cuando hizo la saga de la Segunda Guerra Mundial con Flags of Our Fathers y Letters from Iwo Jima; y en Invictus, su nuevo film, narra una etapa de la vida del ex mandatario sudafricano Nelson Mandela.
La película se desarrollará en el período post Apartheid, cuando Mandela asume la presidencia, siendo una de sus primeras estrategias políticas unir la raza negra con sus pares blancos sudafricanos, y como medida a esto, se tornará a darle gran importancia a la participación de su país en el Mundial de Rugby del cual serían anfitriones.
El rugby en Sudáfrica era en su mayoría para los blancos, pero el nuevo líder sudafricano, a pesar de haber estado 27 años en prisión, tenía como meta la unificación social tras un largo período racista, siendo la pasión por el deporte la excusa para quebrar determinadas fronteras.
Mandela (que es interpretado en gran forma por Morgan Freeman) apoyará a los alicaídos Sprinkbooks a través de su capitán Francois Pienaar (Matt Damon), al cual no solo animará para las conquistas deportivas, sino que le hará dar cuenta de la realidad social que se estaba viviendo hace largos años.
A simple vista, Invictus parece ser un film simple, pero Eastwood demuestra una vez más que es un gran narrador, que puede hacer de un acontecimiento simple una gran y conmovedora historia que atrape constantemente a través de personajes fuertes y hechos muy bien detallados.
Como en Letters from Iwo Jima, dónde se mostraba culpabilidad de ambos lados, ya sea del mando estadounidense como del japonés en la atroz Segunda Guerra Mundial; Invictus también tendrá esa esfera moral bien remarcada entre dos partes que lamentablemente debieron ser separadas por la vergonzosa política racista por la cual Mandela luchó e intentó de abolir.
El film será emocionante en todo momento, ya que cada escena encaja con la siguiente con una emotividad única que le da Eastwood, comandado por la impecable banda sonara a cargo de su hijo Kyle y la realista fotografía de Tom Stern.
En conclusión, Invictus es un film más que correcto a pesar de no alcanzar la magnitud de otros de Eastwood como Mystic River o Unforgiven; destacándose que a través de una historia simple, pero narrada brillantemente, se pueda redondear otra película emocionante dentro de la filmografía de uno de los pocos genios que quedan con vida en el cine contemporáneo.

Reencuentro con el metal

2010-01-27T16:33:00.000-08:00

Tras la cancelación del show que Metallica iba a brindar en Buenos Aires en 2003, estaba presente la incertidumbre entre como quedaría la relación entre el público argentino y la banda estadounidense; pero el 21 de enero en el estadio de River Plate se produjo un reencuentro más que apacible entre ambas partes con la presentación que se encontraba dentro de la gira World Magnetic Tour.
“Estamos muy contentos de estar acá esta noche” “Queremos hacerlos sentir bien y curar su corazón” eran las palabras de James Hetfield, líder de la banda, en medio de la euforia desatada, tras la banda entonar gloriosos temas de la placa Ride The Lightning como «Creeping Death» y «For Whom The Bells Tolls».
La calurosa noche ya se encontraba ardiendo, y la energía que emanaba Metallica desde arriba del escenario contagió a más de 60 mil personas que se hicieron presentes en Núñez, y la conexión entre ambas partes cada vez era más grande, y más aun si pasaban temas como «Wherever I May Roam», «Fade To Black» y «Sad But True».
También hubo lugar para la presentación de Death Magnetic, último disco de la banda. En distintos momentos de la noche sonaron los temas «That Was Just Your Life», «The End of The Line», «Cyanide» y «All Nightmare Long», algunos de los más destacados de una placa correcta, aunque lejana en calidad a grandes trabajos del pasado.
El mejor momento del show fue cuando la banda entonó «One», genial tema de … And Justice For All, el cual con una introducción de fuegos de artificio sonó impecable, desde cada golpe que Lars Ulrich le daba a la bateria, como por la voz de Hetfield, y el sonar de la cuerdas de Kirk Hammett en guitarra y Robert Trujillo en bajo.
Si hay algo que el show tuvo en especial, fue la lista de temas de la cual fueron partícipes las canciones más logradas de la banda californiana, y a las nombradas anteriormente, luego se sumaron «Master of Puppets», y dos clásicos del disco Metallica (más reconocido como el Black Album) de 1991, como «Nothing Else Matters» y «Enter Sandman» que hicieron delirar al público presente.
Para el final, Hetfield y compañía volvieron a los inicios de la banda y a su primer disco Kill ‘Em All de 1983; más precisamente tocando «Wiplash» y uno de los temas más pedidos de la noche por la gente: «Seek & Destroy», una sinfonía del demonio que hizo de la caldera de River, un paraíso para la multitud que se encontraba en el estadio.
En conclusión, el primero de los tres shows que brindó Metallica en Argentina fue más que satisfactorio, y a pesar de algunos inconvenientes con el volumen, y los equipos de sonido que fallaron en algunos sectores del estadio, la velada fue impecable y marcó el reencuentro del público con la banda estadounidense, quedando sanada la herida por la cancelación del recital que iban a brindar siete años atrás.

Sólo un nuevo impacto visual de Cameron

2010-01-11T15:34:00.000-08:00

Avatar, de James Cameron, era el film más esperado y promocionado de los últimos tiempos, ya sea por sus cualidades visuales que proponía, cómo por la incertidumbre que producía el lapso de años que el director no dirigía desde cuando se presentó la multipremiada Titanic en 1997.
La nueva película transcurre en el año 2154 en Pandora, luna de un planeta ficticio en dónde en una región se encuentra el unobtainium, un mineral precioso de sumo valor que hará que una empresa terrestre se instale ahí para sustraer el sólido.
Aunque ya se hizo anteriormente en diversas oportunidades, es muy interesante como Cameron construye un mundo, una raza (unos humanoides azulados denominados Navi) y un idioma propio.
Pero lo más destacable de Avatar es su riqueza visual. Probablemente sea el film que más haya explotado la utilización de la tecnología 3D; y las distintas capas que se pueden observar dentro de cada plano, como la profundidad de campo por momentos son majestuosas.
Por otro lado, los efectos especiales y sonoros nunca dejan de sorprender a los largo de los 163 minutos de duración. Éstos resultan asombrosos, como la fotografía de Mauro Fiore y el gran trabajo de todo el equipo de dirección de arte; tanto que sería un desperdicio no aprovechar Avatar en una sala que no tenga tecnología en tres dimensiones.
Pero volviendo al argumento, se encuentra lo más flojo del film. Una empresa privada será la que se instale en Pandora para extraer el unobtainium, misión que estará comandada científicamente por la doctora Grace Augustine (Sigourney Weaver) y militarmente por el despiadado coronel Miles Quaritch (muy buena interpretación de Stephen Lang). Es ahí cuando aparece en acción Jake Sully (Sam Worthington), un marine que quedó invalido en guerra y será insertando, como otros, en cápsulas para que sus mentes se trasladen a la de los cuerpos artificiales unos navis creados genéticamente (denominados avatares), así éstos podrían acercarse y meterse dentro de la civilización nativa y adquirir sus conocimientos y quitarles valiosa información.
Pero es a partir de aquí donde el conflicto entre razas y la idea de la pertenencia se trastorna un poco, cuando en medio de su misión, Jake se enamora de la nativa Neytiri (Zoe Saldana), produciéndose una relación amorosa entre seres de distintas raíces, tal cual en la leyenda de Pocahontas, o viéndolo de otro punto de vista entre un rezagado militarmente y una joven aborigen, como en Dance With Wolves de Kevin Costner.
Todas estas referencias hacen que la historia de Avatar, símil ideológicamente a la masacre de la conquista de América en 1492, sea un tanto predecible y lejana a narrativas mucho más filosóficas de Cameron como The Terminator. También muchos temas que abarca el film pueden vincularse con la política mundial de los últimos años, ya que a partir de la búsqueda del unobtainium en Pandora, se pueden interpretar desarrollos similares a la explotación del petróleo en Irak y su catástrofe posterior.
En conclusión, Avatar está compuesta por un guión básico, que entre hechos relacionados con la mismísima historia de la humanidad, la leyenda de Pocahontas y aquella idea de entrar en otra realidad estilo The Matrix de los hermanos Wachowski, hacen que el film parezca un tanto convencional; aunque tanto su grandeza visual y su constante ritmo, más el plus 3D, producen que sea una película interesante y sumamente entretenida.

Una interesante historia de (des)amor

2009-12-28T15:50:00.000-08:00

La opera prima de Marc Webb, (500) Days of Summer, es otro inteligente film del siglo XXI que demuestra que a partir de una historia de relaciones amorosas se puede lograr una obra muy rica en tanto al lado visual e intelectual cinematográficamente como también por el lado de una atrayente narrativa.
No sería descabellado pensar que el film de Webb completa una serie, justo a fines de la década, con Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2001) de Jean-Pierre Jeunet y Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004) de Michel Gondry. Las tres películas poseen mucho en común, a partir de lo expuesto anteriormente como en su propuesta tanto para un público erudito como masivo, cuestión que hace probable que con el tiempo estas clase de obras, a pesar de de ser muy buenas e interesantes, terminen siendo un tanto sobrevaloradas.
Pero volviendo específicamente a (500) Days of Summer, el film narra la historia de amor y desamor entre Tom (interpretado por Joseph Gordon-Levitt) y Summer (Zooey Deschanel). La narración se basa en contar desde el momento en que él descubre a su chica soñada en dónde todo lo que siempre imaginó como “ideal” se cumple a través de su relación con ella; como también las peleas, recriminaciones y la posterior separación.
No por nada, en un principio, se dijo que el film de Webb es rico a lo que a lenguaje cinematográfico se refiere. (500) Days of Summer es conjugado brillantemente por un llevadero guión de Scott Neustadter y Michael H. Weber, como por la ingeniosa narrativa no lineal que hace saltar de un día a otro de la relación entre ambos, ya sea desde el momento en que se conocen y todo es mágico, hasta las más feroces discusiones, que a través de los distintos hilos temporales, le darán un toque más atrayente a los hechos que se irán intercalando, ya sean en el día 1 o en el 495 del tiempo que mantuvieron juntos.
Entre todas sus virtudes, hay que decir que la película esta llena de recursos que la enriquecen, como la inclusión de dibujos animados y la utilización del falso documental bien al estilo Annie Hall de Woody Allen; como con distintos juegos con la imagen, desde ir del color al blanco y negro, como degradar la fotografía al dibujo y distintas animaciones, divisando ahí la importancia de que Tom sea arquitecto y sobreestime sus diseños al pasar varios años trabajando en una compañía de tarjetas de regalo. También hay que darle un crédito extra a una excelente escena en dónde se opta por dividir la pantalla en dos, y en una se muestran las expectativas del protagonista, en tanto que en la otra la misma acción, pero a través de la triste realidad.
Como en Le fabuleux destin d'Amélie Poulain y Eternal Sunshine of the Spotless Mind, las actuaciones de los protagonistas producirán que los espectadores se sientan identificados con los personajes, los cuales en este caso resultan más que entretenidos y encantadores, para redondear que las interpretaciones de Gordon-Levitt y Deschanel sean mas que confortantes.
Pero a parte de un gran film, (500) Days of Summer, es un homenaje a la historia del rock británico con citas que rondan desde The Beatles, pasando por los Sex Pistols hasta The Smith. También el entorno musical del film, que siempre abunda entre el rock y lo indie, abarcará temas de grandes artistas como Simon & Garfunkel, Pixies, Regina Spektor y Carla Bruni. Un momento interesante y llamativo de la obra, encaminado a su extensa consideración a la música, es cuando Tom y Summer discuten en un local de discos sobre quién fue el mejor beatle, manifestando ella su amor por Ringo Starr, reconocido popularmente como el menos popular de los cuatro de Liverpool.
Por otro lado, también es para destacar el homenaje que Webb le hace al cine mismo, desde situaciones muy al estilo de la Nouvelle vague y los primeros films de Jean-Luc Godard y François Truffaut, como a Det sjunde inseglet (El séptimo sello) de Ingmar Bergman. Mucho de esto se producirá a partir de la alusión al cine dentro del cine, en divertidas escenas en una sala cinematográfica dónde, a parte de ser espectador, Tom aparecerá en la pantalla de la película que está observando.
En conclusión, (500) Days of Summer es una interesante película, que aunque tenga algunos típicos clichés del género, demuestra que es un film muy rico a nivel visual e intelectual, que podrá atraer a diversos públicos a través de un film, que como remarca Webb, no es una historia de amor, sino que simplemente destaca diferentes matices de tal sentimiento.

Fuerza natural en el Ciudad de la furia

2009-12-21T14:59:00.000-08:00

El recital que brindó Gustavo Cerati el domingo 20 de diciembre le dio un cierre más que digno a lo que fueron las presentaciones en el Club Ciudad de Buenos Aires, ya que es de conocimiento público que este escenario no recibirá más shows musicales debido a las constantes quejas de los vecinos de la zona.
El ciudad ya se había convertido en un escenario clásico, dónde rondaron importantes bandas como Radiohead, The Mars Volta y R.E.M., entre otros; y en este caso el ex Soda Stereo presentó su última placa, Fuerza natural, refiriéndose al caso: “¿Cómo está el volumen? Saludos a los vecinos; o sino pongan más lugares para tocar”.
Como era de prever, el show arrancó a todo volumen, en un primer set dónde Cerati presentó los temas de su nuevo disco, pasando primero por lo rock pop eléctrico como «Fuerza natural», «Magia», «Déjà vu», «Desastre» y «Rapto», en un comienzo que se lo vio de negro y con antifaz con su energía característica sobre el escenario.
Después fue el turno del segmento electroacústico de su nuevo álbum, dónde expuso «Amor sin rodeos», «Tracción a sangre» y la impecable «Cactus», el tema mejor logrado de Fuerza natural.
Para cerrar la primera parte del recital, Cerati tocó las canciones restantes del disco (aunque «#» quedó para el final del show), o sea «Naturaleza muerta», «Dominó», «Sal», «Convoy» y una extensa e alucinante versión de la psicodélica «He visto a Lucy», para la cual se sumó Gillespie.
Luego de un receso vendría el momento más importante de la calurosa noche en el Club Ciudad, cuando Cerati homenajeó a la fallecida Mercedes Sosa tocando una impecable versión de «Zona de promesas» de Soda Stereo, tema que cantaron a dúo en Cantora, último álbum de ella.
Para la segunda parte del espectáculo, Gustavo (ya de blanco) se propuso a recorrer varios temas de discos anteriores de su carrera solista, arrancando con grandes composiciones de su primera placa Amor amarillo, como «Pulsar» y «Te llevo para que me lleves», aunque en esta última, el acompañamiento en voz de Anita Álvarez Toledo dejó mucho que desear.
Luego Cerati y su banda (muy bueno lo de Richard Coleman en guitarra y Fernando Samalea en batería) recorrieron hits como «Crimen», «Paseo Inmoral», «Cosas imposibles» y «La excepción», la cual se intercaló con el riff de «Rebel Rebel», excelente tema de David Bowie allá por los 70.
Para el final, quedarían «Puente», «Lago en el cielo», «Vivo» y «Jugo de Luna», para clausurar el Club Ciudad con el ya nombrado «#». El show fue de una fuerza natural impecable, y a todo volumen, Cerati le dio un cierre más que digno a un escenario característico de los últimos años como el Club Ciudad de Buenos Aires.

Una de vampiros diferente a las demás

2009-12-16T17:31:00.000-08:00

En una época donde los vampiros se encuentran devaluados, o mejor dicho ultra popularizados con la masiva Twilight, novela de Stephenie Meyer que luego fuese llevada al cine al estilo Harry Potter; aparece una variante más que interesante: Låt den rätte komma in (Criatura de la noche) del sueco Tomas Alfredson.
¿Por qué la diferenciación? El de Alfredson es todo lo contrario a aquellos films pochocleros que, en cierto punto, son construidos para atraer a masas de adolescentes y fanáticos que concurren disfrazados a las salas; es todo lo contrario, se asemeja más a una película con su propio y bien definido estilo que seguramente con el transcurso de los años podrá ser valorada como de culto dentro del género.
Låt den rätte komma in narra la historia de Eli (Lina Leandersson), una niña vampiro con complicaciones para conseguir sangre fácil, que se enamorara de Oskar (Kåre Hedebrant), un chico solitario con problemas familiares y en la escuela, que quedará asombrado con la personalidad de su nueva amiga. A partir de la unión entre ambos, se defenderán mutuamente y conformarán una historia de amor tan inocente como real.
El film de Alfredson es muy rico desde el punto de vista estético, ya que desde un principio se desliga de toda estructura renacentista de los tiempos de Drácula, la clásica novela de Bram Stoker, como ha sucedido en la mayoría de los films sobre el vampirismo. Låt den rätte komma in mantiene una estética delicada y encantadora, como la mismísima Estocolmo dónde se sitúan los hechos de la historia.
La fotografía de Hoyte Van Hoytema provoca que en la fría ciudad sueca se produzcan situaciones calidas. Cada plano es maravilloso, y por lo pintoresco se lo podría situar como dentro de una continuación por lo propuesto por el maestro del cine nórdico, Ingmar Bergman, y especialmente su film Fanny och Alexander, que justamente también narraba la relación entre unos niños.
Pero lo que hace que Låt den rätte komma in sea un gran hallazgo dentro del cine actual es el impecable guión de John Ajvide Lindqvist, quién adapto su propia novela para crear una historia desgarradora, narrando acciones maravillosas como un ataque de Eli a unos agresores de Oskar en una pileta de natación, que quedará en el recuerdo como una de las escenas más grandiosas de los últimos tiempos, a lo que se refiere a equilibrio entre el desenlace de la acción dramática y la brillantez visual.
Låt den rätte komma in es un film de vampiros distinto, tan encantador como aterrador, que mediante personajes muy bien definidos (interpretados de gran manera por sus protagonista) logran un clima más que interesante en una película que no abusa de la sangre, aunque si la utiliza al por mayor para crear un entorno verosímil y lleno de significación.

Un show histórico que será eterno

2009-12-11T15:41:00.000-08:00

El pasado viernes 4 de diciembre no fue un día convencional. En el estadio de Vélez Sarsfield se produjo un acontecimiento atípico, un show de aquellos que quedarán en el recuerdo por siempre. El espectáculo de Luis Alberto Spinetta mantuvo una lucidez descomunal a lo largo de casi cinco horas y media de pura emoción que enmarcaron un hecho histórico.
Ni siquiera en el plano de las estructuras, el mega recital de Spinetta fue convencional. Cerca de las 22, el Flaco salió al escenario de un estadio colmado con casi 40 mil espectadores, y en principio habló con su público y nombró a los músicos que le hubiera gustado que se hagan presentes en la noche de Liniers, como Pedro Aznar, León Gieco y Frank Ojtersek; en tanto que mencionó a los que le hubiera gustado versionar y no encontró lugar en el show, como Moris, Andrés Calamaro, Carlos “Indio” Solari y Hugo Fattoruso.
En principio, se puede decir que fue un acontecimiento histórico por dónde se lo mire, y quizás el concierto más importante de la historia del rock en nuestro país, porque como se ira resumiendo en este escrito, en el escenario de Vélez estuvieron todas las glorias nacionales del género, ya sea en presencia o siendo versionados en su mayoría por el eterno Spinetta.
Todo comenzó con la hermosa entonación de «Mi elemento» para dar comienzo a la emocionante velada musical, en dónde Spinetta repasaría su extenso y maravilloso repertorio, siendo cortejado, no sólo por la gran mayoría de los músicos que lo acompañaron a lo largo de estos 40 años de carrera, sino también por una larga lista de “genios” (como el mismo los destacaba) que admira y deseaba que participen de la noche.
El show denominado “Spinetta y sus bandas eternas” se dividió en dos segmentos, en el primero, el Flaco con la participación de distintos músicos invitados como Javier Malosetti, Diego Rapoport y Leo Sujatovich, comenzó a repasar grandes temas de Spinetta Jade, como «Alma de diamante» y «¿No ves que ya no somos chiquitos?», y de su carrera solista, como «Ella también» y «Cementerio club».
El show era muy emotivo y lo fue más a medida que grandes figuras fueron saltando al escenario para acompañar a Spinetta. La aparición de Fito Páez, quién grabara con el Flaco La, la, la en 1986, fue más que importante para el espectáculo, y verlos entonar con total exuberancia temas como «Las cosas tienen movimiento» y «Asilo en tu corazón» fue desgarrador, para terminar cerrando el set con un gran dicho de Páez: “Luis Alberto… siempre estarás en mi”.
Luego sería el turno de otro peso pesado de la historia del rock argentino, Gustavo Cerati, con el que cantaron a dúo «Té para tres» de Soda Stereo y «Bajan » del monumental disco Artaud que Spinetta grabó en 1973. Ambos temas sonaron impecables y la emoción de Cerati se pudo observar al retirarse con la arenga “Si hay un sueño cumplido, es éste”.
Hasta ese momento, el show era un gran manifiesto emocional lleno de sorpresas, a las cuales se sumaron los dignos homenajes que Spinetta le hizo a leyendas del rock nacional, versionando maravillosas canciones como «Mariposas de madera» de Miguel Abuelo, «El rey lloró» de Litto Nebbia y «A dónde está la libertad» de Pappo (con el acompañamiento de Juanse en voz), para cerrar con «Necesito un amor» de Javier Martínez y la presentación sobre el escenario de sus hijos Dante y Valentino, tocando la guitarra y rapeando, respectivamente.
Uno de los momentos más esperados de la noche, era el de la presencia de la otra gran leyenda viviente del rock argentino: Charly García, para el cual Spinetta le rindió un merecido homenaje versionando su tema «Filosofía barata y zapatos de goma».
Luego, saldría a la escena el propio García para vocalizar junto a Spinetta el ya clásico de ambos «Rezo por vos», que al igual que en el recital del primero en octubre pasado, sonó en gran forma y nos permitió una vez más poder vislumbrar en pareja a los dos más grandes del rock argentino.
Después de un merecido intervalo, comenzaría el segundo segmento y las emociones que se empezarían a producir serían inagotables. Como puntapié inicial se presentarían Los socios del desierto con Marcelo Torres y Malosetti (en lugar del fallecido Daniel Wirtz) para deslumbrar junto al Flaco con temas como «Nasty people» y «Bosnia».
Pero aquello no sería nada a comparación del momento que se pudo vivir después cuando aparecieron en el escenario de Vélez, Carlos Alberto “Machi” Rufino y Hector “Pomo” Lorenzo, quienes junto a Spinetta formaban Invisible, la fenomenal banda de los 70.
El trío hizo vibrar al público que se hizo presente en la noche en Liniers con clásicos como «Durazno sangrando» y «Jugo de lúcuma», en tanto que maravillaron con el hermoso tema «Niño condenado», para el cual escuchar la voz del Flaco fue una experiencia mágica. Para el final, versionaron a Tanguito y su eterno tema
«Amor de primavera», dejando en el recuerdo a uno de los pocos grandes que faltaban en el show.
Después llegaría el momento de mayor explosión de la noche, con la presentación de Pescado Rabioso y la de los integrantes originarios de la banda: Black Amaya, Osvaldo “Bocón” Frascino, Carlos Cutaia, David Lebón y obviamente el propio Spinetta.
Lo expuesto por Pescado fue magnífico y clásicos como «Poseído del alba», «Despiértate nena» y «Me gusta ese tajo» hicieron enloquecer a todo el estadio, cargándole una cuota más de adrenalina y brillantez musical a un show que era anecdótico.
A lo que a presentación de las bandas eternas se refiere, lo que el público tuvo oportunidad de ver para lo último fue un lujo, porque junto a Spinetta se presentaron Edelmiro Molinari, Emilio Del Güercio y Rodolfo García, los integrantes iniciales de Almendra.
Fue emocionante ver a los cuatro juntos luego de tantos años, y más aun escucharlos (con la excelencia que los caracterizaba en los 60 y la propia madurez actual) hacer temas inolvidables como «Color humano» y «Fermín», en tanto que por último, el Flaco desenfundo la guitarra acústica y el grupo unido en un círculo entonaron quizás el tema más recordado de aquellos tiempos: «Muchacha», en lo que fue una presentación deslumbrante.
Ya acercándose al final, Spinetta tocó «8 de octubre», tema homenaje a las víctimas de la tragedia en Santa Fe, tema para el cual se le sumó Mollo en guitarra. Luego quedaría el cierre con grandes hits de su carrera solista como «Seguir viviendo sin tu amor», «Yo quiero ver un tren» y «No te alejes tanto de mí».
En conclusión, se puede decir que el recital que brindó Spinetta junto a sus bandas eternas y distintos invitados fue un hecho histórico. Un acontecimiento de una magnitud digna de un genio, que quedará en el recuerdo por siempre, para el cual esta humilde nota es poco, ya que un show que será eterno como este, sería digno de la extensión de un libro.

El rock fue más fuerte que la lluvia

2009-11-02T14:22:00.000-08:00

La lluvia era desgarradora, parecía que el fin del mundo se acercaba. Es que estaba faltando algo, o más dicho alguien. Más de un año y medio ausente. Hace un mes en Lima, luego en Santiago se rumoreaba la reaparición de aquella leyenda, la cual retumbó siempre entre la jerga porteña, pero se extrañaba en presencia, hasta que un día en su cumpleaños 58 el ídolo reapareció y ni la tempestad pudo con él en cuanto comenzó a entonar cada melodía: a Charly García se lo pudo escuchar como hace mucho no se lo hacía.
La expectativa era enorme, por eso ni la tormenta ni ese panorama apocalíptico remitieron a que la gente no se acercara aquel 23 de octubre al estadio de Vélez Sarsfield a presenciar, luego de su internación, el regreso a los escenarios de una eminencia como García. Si la lluvia era problema para muchos, todo quedo de lado cuando el maestro entonó «El amor espera» y comenzó un show electrizante, de aquellos que no dejan respiro.
En parte se puede decir que a primera impresión se extrañaba ver a un Charly descontrolado e hiperactivo sobre el escenario, aunque aquello es simplemente un estilo de moral producto de la ideología rock, porque lo que realmente se añoraba era esa “voz”, esa tonada única, la cual desparramaba melodías mágicas y se escuchaba un tanto desgastada los últimos años. Escucharlo a García esa noche fue una reminiscencia a la década de 1980.
Así a lo largo de casi dos horas emocionantes, García recorrió grandes hits de su extenso repertorio e inmortales obras, desde Yendo de la cama hacia el living hasta Rock and Roll y yo fue intercalando recordados temas de toda su discografía.
El momento más emocionante de la velada fue cuando Charly presentó a la otra leyenda viviente del rock argentino: Luis Alberto Spinetta. “Les presento a mi ídolo y maestro” les decía García a las más de 30 mil personas que se hicieron presentes. Y el Flaco se presentó en la fiesta, un invitado de lujo al cumpleaños, y como no era para menos tocó con su guitarra y entonó con el homenajeado «Rezo por vos», tema que habían compuesto en conjunto en los 80. Realmente fue un lujo y un hecho histórico presenciar a las dos figuras más grandes de lo que se refiere a rock en la Argentina.
Pero sin duda no se puede dejar de manifestar lo conmovedor que fue escuchar la voz de Charly, la cual lució brillante. Sus agudos se lucieron como hace tiempo no lo hacían. Temas como «No soy un extraño», «Influencia» o «Chipi-chipi», que de por si derivan mucho esfuerzo por su complejidad melódica sonaron maravillosamente.
La noche fue explosiva. Charly y su banda tocaban un gran tema tras otro, desde «Demoliendo hoteles», «Raros peinados nuevos», «No voy en tren» hasta una gran versión de «No toquen», una de las canciones emblemas de su álbum Cómo conseguir chicas, la cual sonó impactante.
En conclusión, el show no dejó respiros. La gente saltaba y bailaba bajo la interminable tormenta. Charly agradecido en un momento exclamaba: “Hoy el rock es más fuerte que la lluvia” y que razón tenía. Sólo importaba disfrutar de un momento único. Un reencuentro con la magia que provoca la música interpretada a través de un genio. Fue una noche de puro éxtasis, y como diría el gran García: Say no more.

La importancia de las alternativas que propone el cine

2009-10-05T18:25:00.000-07:00

El español Pedro Almodóvar es uno de los pocos directores del cine contemporáneo al que se lo puede catalogar de ser digno de tener un estilo propio de autor: desde sus inicios entre lo kitsch y lo grotesco, lo argumentalmente complejo de sus relatos, y la creación de profundos y a la vez exagerados personajes que a lo largo de su filmografía se sumergieron en temáticas que oscilan entre lo bizarro, erótico, contradictorio y las diversidades sexuales.
En su nuevo film, Los abrazos rotos, Almodóvar opta por una narración en la que irá intercalando historias, tramas y personajes. Por un lado, en la actualidad se encuentra Harry Caine (impecable Lluís Homar), un cineasta que se ha quedado ciego, acto que esconderá una enredada y trágica historia llena de misterios ocurrida catorce años atrás, en la que tendrán mucho que ver su productora Judit, Ernesto (un acaudalado empresario), Lena (su amante y mujer de este último), y el hijo homosexual de Ernesto.
Como en Todo sobre mi madre, habrá una situación que se irá complejizado en el presente en base a reveladores recuerdos del pasado que irán dando a luz un film en el que cada pieza concuerda y se complementa en el lugar que le corresponde, sin necesidad de emplear recursos narrativos pretenciosos que puedan distraer y complicar innecesariamente al espectador.
Pero el conflicto se desarrollará cuando Harry le cuenta a Diego, el hijo de Judit, aquella historia trágica de amoríos, celos, venganza, culpas e infidelidad que lo llevó a la ceguera y a cambiar su nombre (Mateo Blanco) por el que es su actual seudónimo.
En gran parte, Los abrazos rotos también es un gran homenaje de Almodóvar a su destacada filmografía y al cine en general. Utiliza nuevamente el recurso del cine dentro del cine, no de manera tan poética y surrealista como en aquel corto mudo en blanco y negro que surgía en Hable con ella, sino que en este caso opta por un modo más explícito como en La ley del deseo, mostrando en un fragmento célebre de la película parte del film “Chicas y maletas” que en el pasado había filmado Harry. En este caso se pueden observar auto citas estéticas y narrativas con las que juega el español con un clásico suyo, Mujeres al borde de un ataque de nervios.
También Almodóvar se guardó un lugar en el film para homenajear a varias de sus actrices a lo largo de su filmografía, dándoles pequeños papeles a varias intérpretes de sus películas como a Chus Lampreave (¿Qué he hecho yo para merecer esto!!), Rossy de Palma (Kika), y Mariola Fuentes (Carne trémula), entre otras.
En Los abrazos rotos, el concepto “cine” es algo fundamental, y será más que destacado a partir de Harry, su protagonista, que a pesar de haber quedado ciego seguirá ligado al universo cinematográfico, como le sucedería al personaje interpretado por Woody Allen en su propio film Hollywood Ending. Pero también se pueden observar citas a temáticas voyeuristas, homenajeando a clásicos como Blowup de Michelangelo Antonioni, temas que tampoco fueron ajenos en películas anteriores de Almodóvar, ya en Kika se podía observar cierto acercamiento a Rear Window de Alfred Hitchcock.

Tampoco la película se alejará, en parte, de una estética del film noir o pre novelle vague, bien al estilo Ascenseur pour l'échafaud de Louis Malle, al cual Almodóvar cita al pie de la letra mostrando una imagen de tal realización. En un momento, Harry le dirá a Diego que quería escuchar la voz de Jeanne Moreau, pudiendo ser que esta le haga recordar a su amada Lena, personaje que logra una de las mejores interpretaciones de Penélope Cruz en su carrera.
Los abrazos rotos es más que un drama pasional, es un ejemplo de cómo a partir de una narración de tinte complejo y distintos ejes temporales donde predominan los flashbacks, se puede lograr una obra interesante y bien lograda sin que ninguna de las subtramas carezca de verosimilitud, algo que en el cine actual hace que por lo pretencioso de sus realizadores, cada parte pierda un poco de ese encaje de conexión con la otra, para ser más preciso un caso sería el de Babel de Alejandro González Iñárritu.
El único punto flojo del film es que por momentos se vuelve predecible en determinados temas y lo que venía siendo una historia atrapante y con un importante grado de tensión se torna un tanto convencional, aunque sin opacar sus méritos.
En conclusión, Los abrazos rotos es otro buen film que reafirma nuevamente esta interesante faceta de Almodóvar en la que se podría interpretar que muchos de sus personajes van de a poco completando su álter ego, como en este caso lo es Harry, también lo fue el personaje de Fele Martínez en La mala educación o más atrás en el tiempo el de Eusebio Poncela en La ley del deseo; y a partir de esto poder lograr una historia compleja pero a su vez accesible, siempre dejando el mensaje que caracteriza a un gran cinéfilo como es el español: que lo importante es el cine y saber manejar sus distintos recursos para hacer películas.

Hacer pensar y entretener

2009-09-25T12:27:00.000-07:00

Los que esperen un simple film de ciencia ficción se llevarán una grata sorpresa con District 9 del sudafricano Neil Blomkamp, siendo que la película es más un film político que uno de extraterrestres, tratando duros temas como la segregación y la discriminación a los inmigrantes; eso si, en una obra dónde el entretenimiento no está dejado de lado.
El film narra a modo de falso documental la llegada de hace unos supuestos veinte años de los alienígenas a La Tierra, los cuales fueron alojados en una especie de ghetto: el Sector 9. Lo interesante de la obra (que ésta marcará desde un principio) es que los extraterrestres llegan a Johannesburgo y no a una ciudad “top” estadounidense como Nueva York.
A partir de este gran indicio se puede ver el carácter anticapitalista de District 9, diferenciándose del universo ostentoso de films hollywoodenses repletos de efectos especiales, actores estelares e insignias ultranacionalistas como Independence Day de Roland Emmerich; en este caso, la obra de Blomkamp se ocupa menos de distraer con los FX y más por el desarrollo de la temática, la cual podemos situar afín a lo acontecido en el Apartheid allá por la segunda mitad del siglo XX en Sudáfrica.
Johannesburgo sería una ciudad clave en lo sucedido en aquel movimiento de segregación de la población de raza negra, en District 9 ésta es “suplantada” por los alienígenas, los cuales serán, en parte, excluidos de la sociedad en un territorio marginal, aunque la denuncia inicial no llegará solo a ese punto figural de hacer una distinción étnica (o interplanetaria), sino que en el mismo sector se encontraran grupos de nigerianos, los cuales tomarán un papel mafioso y serán los que se encargarán de comerciar con los extraterrestres, o sea representarán el papel de los humanos (inmigrantes y negros) marginales de la sociedad, tratando Blomkamp de incidir en que el presente sigue siendo el mismo, y no sólo en la ficción.
Ahí se encuentra uno de los puntos centrales del film: la discriminación hacia los distintos; y no será casualidad que los organismos del poder que manejan y querrán desalojar el Sector 9 sean en su mayoría de raza blanca, como los que dominaban en la época del Apartheid. Aquí se los intenta desalojar a los extraterrestres, como en su momento se le quitaría los derechos políticos, económicos y sociales al pueblo sudafricano de raza negra.
Los que se encargarán de desalojar a los alienígenas serán la fuerzas de la empresa multinacional dedicada al armamento militar MNU, quiénes durante los veinte años que los extraterrestres se encuentran varados en Johannesburgo debido a imperfectos en su nave madre se dedican a experimentar con ellos para descifrar los secretos de su tecnología y aprender acerca de su armamento superior.
La misión de desalojo estará a cargo de un apático padre de familia y yerno de uno de los directivos de MNU, Wikus Van De Merwe (Sharlto Copley), quién en una de sus visitas al acampado, contraerá un virus alienígena que lo irá transformando de a poco en uno de ellos, bien al estilo The Fly de David Cronenberg. A todo esto, Wikus se convertirá en el antihéroe y se dará a la fuga, siendo buscado para ser producto de diversos experimentos.
Es destacable que Blomkamp no exagere con los efectos especiales, y se nota claramente que esa no es su intención, sino que siendo cauto en la materia, nos muestra un film de carácter más verosímil dentro de una realidad fantástica a través de la narración documental, utilizando en varios tramos la cámara en mano. También se destaca una fotografía agria (compuesta por Trent Opaloch), distinta a los clásicos films de extraterrestres (solo se podría decir que encuentra particularidades con Starship Troopers de Paul Verhoeven), y similar a la estética de películas sobre guerras y asuntos militares de finales del siglo XX y principios del XXI, más que nada a The Black Hawk Down de Ridley Scott.
Pero Blomkamp construye con District 9 una obra muy inteligente en todo sentido (en eso debe estar el hecho de que Peter Jackson sea el productor y se haya interesado por el trabajo del sudafricano), desde un profundo guión (que escribió junto a Terri Tatchell), hasta la caracterización de los alienígenas a partir de paralelismos con el universo de la ciencia ficción, lejos de los amigables de Close Encounters of the Third Kind de Steven Spielberg y sí físicamente a lo Predator de John Mc Tiernan. El sudafricano destaca a los extraterrestres con similar carácter al de los humanos y de fácil adaptación a la vida de éstos, como le sucedía a Gordon Schumway en la serie televisiva ALF, eso sí, en vez de ansiar alimentarse con gatos, éstos se enloquecen con la comida en lata para felinos.
Respecto al armamento de los alienígenas que tanto ansía controlar la MNU, se puede decir que son armas grotescamente destructivas como las vistas en Mars Attack! de Tim Burton, y en cierto modo también se pueden observar armaduras robotizadas al estilo del ED-209 en RoboCop de Verhoeven o a los robots de la serie animada Transformers.
District 9 es un film diferente, entre el documental, la ciencia ficción y marcadas insinuaciones políticas hacen que la película de Blomkamp sea un producto de gran factura dentro del cine actual, tanto por su carácter pensante como por sus altas cuotas de entretenimiento.

Un bastardo con gloria

2009-09-04T07:51:00.000-07:00

Quentin Tarantino es el cineasta más ingenioso y provocador del cine contemporáneo. Hace casi dos décadas, que con films tanto entretenidos como intelectuales, se fue convirtiendo en un realizador con un estilo propio de un gran conocedor de la materia cinematográfica, destacando en sus películas una estética vistosa y el empleo de diversos recursos, como temáticas de extrema violencia, pero a su vez con un gran sentido del humor. El estadounidense es el gran maestro de la cita, de los conocimientos acerca de cómo hacer cine, de crear mundos llenos de personajes de una gran personalidad a través de guiones sofisticados repletos de elocuentes diálogos y efectivas estructuras narrativas.
En Inglourious Basterds, Tarantino vuelve a deleitar con su virtuosismo, tanto con el visual como el de contar historias, las cuales se irán intercalando para enriquecer a la obra, ya que con este nuevo film (como lo fue en la saga Kill Bill) vuelve a la subdivisión en capítulos, y en este casi serán cinco presentaciones que se complementaran para darle fuerza a la narración.
La película principalmente tratará temas recurrentes en el cine de Tarantino como la venganza, la violencia, el heroísmo y la sátira. En Inglourious Basterds se puede decir que de cierto modo se esta reescribiendo la historia ya que el film se centrará en los hechos de la Segunda Guerra Mundial, aunque con consecuencias alternativas a los hechos reales.
La ficción se centra en las peripecias de un escuadrón de soldados suicidas, los cuales liderados por el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) no harán otra cosa que matar nazis de la manera más despiadada. Estos hombres serán denominados “Los Bastardos” y harán cosas como quitarle el cuero cabelludo a cada una de sus victimas como destrozarles la cabeza con un bate de baseball, por lo cual serán el temor de cada alemán que escuche el rumor de su existencia.
Paralelamente se encadenará a los hechos el proceder de Shosanna (Mélanie Laurent), una joven judía francesa quién sufrió la muerte de su familia en manos del ejército alemán y que albergará en su cine el estreno de un film nazi al cual asistirán los principales miembros del Tercer Reich: Adolf Hitler, Joseph Goebbels y Hermann Göring, y obviamente su idea será aniquilarlos y saciar su sangre vengativa.
En este caso se podrá ver la importancia de los personajes femeninos en el cine de Tarantino, ya que Shosanna tendrá la misma o mayor fortaleza que los hombres y nada impedirá que cumpla con su cometido, como podríamos situar a los personajes de Pam Grier en Jackie Brown, Uma Thurman en Kill Bill o el rudo grupo de señoritas que justiciaría a Kurt Russell en Death Proof.
Pero como todo film del estadounidense, Inglourious Basterds es un homenaje al cine, una obra repleta de guiños, no solo al clásico cine bélico como The Dirty Dozen de Robert Aldrich y al sarcasmo de Cross of Iron de Sam Peckinpah; sino más a los films de Sergio Leone, ya que se podría decir que este último film de Tarantino es en gran parte un spaghetti western y podría ser una especie de Il buono, il brutto, il cattivo (El bueno, el malo y el feo) en el marco de la Segunda Guerra Mundial, desde la estructura narrativa y la caracterización de sus personajes hasta los arreglos musicales.
Pero Tarantino no solo deleita con sus citas, tanto a films clásicos como propios, sino que debe ser el director moderno que más aprovecha los recursos que le da el cine, para hacer de estos una especie de collage plástico con la imagen (cuestión que había explotado al máximo en Kill Bill), desde cámaras lentas, el pausar de las acciones, los impactantes planos detalle, como la superposición de títulos que indiquen la importancia de personajes, lugares y situaciones.

También es fundamental como el realizador de Pulp Fiction usa magestualmente los diálogos, expresiones, primeros planos y movimientos de cámara para atrapar al espectador, como lo será en la introducción con un exquisito parlamento entre el siniestro coronel Hans Landa (gran interpretación de Christoph Waltz) y el francés que albergaba a la familia de Shosanna, larga escena (al estilo Thurman/David Carradine en el desenlace de Kill Bill Vol. II) que excede los veinte minutos sin nunca hacer perder la tensión, esa que el estadounidense mantiene extraordinariamente gracias a su capacidad para contar cada fragmento de sus historias.
Pero por sobre todas las cosas, hay que decir que Tarantino es un detallista, no sólo en cada cuadro y diálogo, sino también en la excelente selección musical, desde diversas melodías del mítico Ennio Morricone hasta una brillante escena dibujada con «Cat People (Putting Out The Fire)» de David Bowie. Otro punto para destacar de Inglourious Basterds es la diversidad de idiomas que les dan gran verosimilitud a una trama que está desarrollada en base a varios personajes alemanes y franceses, cuestión poco frecuente en las producciones estadounidenses que generalmente optan por un inglés con acento “extranjero”.
Inglourious Basterds no será una obra de culto como Reservoir Dogs o Pulp Fiction, pero si es un gran film, otro homenaje de Quentin Tarantino hacia el cine, concretando una película desquiciada, profunda y asfixiante desde lo visual hasta lo narrativo, que hace ver a su realizador como un gran bastardo, pero de aquellos llenos de gloria.

Elegante, aunque superficial

2009-08-28T18:59:00.000-07:00

Gabrielle “Coco” Chanel fue una de las modistas más importantes del siglo XX, y la sencillez y elegancia de sus diseños siguen perdurando y dando que hablar en el mundo de la moda en la actualidad.
Con Coco avant Chanel, la directora francesa Anne Fontaine recrea gran parte de la vida de Chanel hasta convertirse en el ícono que llegaría a ser, destacando su pobre y desdichada infancia, sus inicios de joven como cantante de cabaret, cómo sus augurios por insertarse en el mundo de la burguesía.
La película de Fontaine recrea sin sobresaltos la historia de la elegante dama, la cual interpreta de gran manera Audrey Tautou (recordada por aquel encantador papel protagónico en la Le fabuleux destin d'Amélie Poulain de Jean-Pierre Jeunet), quién con su actuación aporta lo más interesante del film, como también lo será el diseño de vestuario de Catherine Laterrier, que está realizado intachablemente como debiera ser digna una obra de tales características.
Pero Coco avant Chanel peca de conformista, simplemente intenta narrar una historia correcta, destaca en la joven Chanel una personalidad imponente y un carácter perfeccionista, como sus controvertidas relaciones con sus amantes Étienne Balsan (Benoît Poelvoorde) y Arthur “Boy” Capel (Alessandro Nivola), pero no profundiza en eso. Fontaine nunca va más allá, ya que desde el primer plano del film se puede intuir que la directora no ahondará en los que podrían ser los hechos más provocativos e interesantes de la historia que va a narrar, marcas que se notan de un guión mediocre (que escribió junto a su hermana Camille) que está cargado de diálogos intrascendentes que no ayudan en nada.
En fin, Coco avant Chanel es otro biográfico film convencional, que a pesar de factores positivos como la interpretación de Tautou o algunas delicadezas técnicas, la película de Fontaine abarca una historia correcta, pero a su vez fría, superficial y carente de pasión.

Tensionante clima infernal

2009-08-17T13:30:00.000-07:00

Luego de realizar la trilogía de Spider Man, el director estadounidense Sam Raimi vuelve hacia el género de sus comienzos: el cine de terror. Con su nuevo film, Drag Me to Hell (Arrástrame al infierno), retorna a ese universo espeluznante de realizaciones anteriores como The Evil Dead o Army of Darkness.
Esta nueva obra narra la historia de Christine Brown (Alison Lohman), una joven ambiciosa que trabaja para una firma bancaria. Ella le negará una nueva prórroga en el pago de su hipoteca a Sylvia Ganush (Lorna Raver), una gitana mayor de edad que le pide de rodillas no perder su hogar. La cuestión es, que al ser denegado su pedido, la anciana enloquecerá y le propiciará la maldición de la Lamia, por la cual espíritus malignos la atormentarán por tres días hasta querer llevarse su alma al infierno.
Con Drag Me to Hell, Raimi demuestra una vez más que tiene una gran vocación para manejar la tensión en el público, que sabe manejar con grandilocuencia los elementos básicos del género y amoldarlos a un estilo propio que no dejará respiro ni a los personajes dentro del film, ni a los espectadores que se encuentren frente a la pantalla siguiendo las desventuras de Christine.
En esta película, Raimi no necesita abusar de ostentosos efectos visuales digitalizados para asustar o crear un clima terrorífico, sino que mayormente se basa en la música, el sonido e ingeniosos movimientos de cámara, como también en un guión (que escribió junto a su hermano Ivan) correcto y sin fisuras que a partir de su estructura narrativa mantiene el suspenso hasta el final.
Otro punto curiosos e interesante de Drag Me to Hell es una composición musical del argentino Lalo Schifrin, la cual había compuesto originalmente para el clásico The Exorcist de William Friedkin y no fue utilizada. En este caso, Raimi recurre a la macabra melodía para los créditos finales.
Raimi construye una obra ingeniosa y entretenida en su vuelta a ese universo aterrador y bizarro que tan bien lo había caracterizado, y con tintes de humor negro y situaciones grotescas, al estilo de sus primeros films como la saga de The Evil Dead o Bad Taste de su contemporáneo Peter Jackson, concreta con Drag Me to Hell una película muy bien lograda que no dejará indiferentes a los fanáticos del género.

Woody Allen: la filmografía de un genio

2009-08-13T05:32:00.000-07:00

Los libros biográficos o de entrevistas a artistas consagrados generalmente son interesantes, llamativos y, en algunos casos, reveladores. Con Conversaciones con Woody Allen, el periodista estadounidense Eric Lax no constituye la excepción y presenta una vital narración de distintos tópicos de la carrera del cineasta a través de extensos y entretenidos diálogos que mantuvieron juntos entre 1971 y 2007.
Lax es el biógrafo oficial de Allen y un gran experto en lo que se refiere a la obra cinematográfica del neoyorquino, lo que le permitió tener un acceso privilegiado a sus rodajes y al proceso de elaboración de sus films. También hay que destacar que fue el autor de Woody Allen: una biografía.
Woody Allen es uno grandes cineastas de la segunda mitad del siglo XX, creador de geniales films como Annie Hall, Manhattan y Deconstructing Harry, como de inmortales personajes como Alvy Singer, Isaac Davis y Harry Block. A lo largo de las casi 500 páginas de este nuevo ejemplar de Lax y publicado por Editorial Lumen, se podrán disfrutar largas charlas que el periodista mantuvo con Allen, en las que éste no solo se refiere a sus películas y personajes, sino que habla también de sus influencias, ídolos y demás sorpresas.
El libro está dividido en ocho capítulos: “La idea”, “El Guión”, “Reparto, actores e interpretación”, “Rodaje, platós, localizaciones”, “Dirección”, “Montaje”, “Música” y “La profesión de cineasta”. Esta distribución es fundamental para el recorrido de su obra y muy acertada para una correcta lectura de cada tema.
Cuando Lax le pregunta porqué para él, Match Point le había quedado tan bien, Allen responde: “Creo que ha tenido que ver con varias cosas. Una es que no me he visto limitado a la comedia. He podido hacer lo que he querido. No tenía que pensar ‘Voy a hacer una película pero tiene que ser una comedia’, o ‘Tengo que salir en ella’. En este caso no he tenido restricciones de ningún tipo, así que he podido hacer la película que quería. Creo que he escrito un buen guión, y he podido llevarlo a la pantalla con todos los recursos a mi alcance”.
Conversaciones con Woody Allen abarca tantos motivos como los de la filmografía del gran realizador, como son su labor como director, actor y guionista a través de deslumbrantes y reveladoras anécdotas. También comenta acerca de sus actores favoritos como Marlon Brando, John Cusack y Jack Nicholson o destaca a sus actrices predilectas como Diane Keaton y Mia Farrow.
También en el marco de las entrevistas habrá lugar para las grandes obras de la historia del cine y un juicio personal de Allen sobre grandes directores como Charles Chaplin, Orson Welles, Ingmar Bergman, Federico Fellini y Vittorio de Sica.
Resulta también muy interesante lo autocrítico de Allen, por ejemplo cuando habla de The Curse of the Jade Scorpion de 2001 “Con esa película defraude a un reparto de un talento excepcional (…) para mi, personalmente, puede que sea la peor película que he hecho, y eso que hay muchas candidatas para dicho puesto. Me mata trabajar con un elenco tan brillante y no ser capaz de estar a la altura”.
En conclusión, Conversaciones con Woody Allen es un texto entretenido y atrapante por el recorrido de la impactante carrera del cineasta que propone Lax, como por los atractivos fotogramas de cada film que ilustran la publicación y le dan un condimento más a su excelente factura.

Una película más sobre la Segunda Guerra Mundial

2009-08-11T16:02:00.000-07:00

Hay films que se convierten en grandes hitos del cine, otros que son un total desastre, y también los que resultan intrascendentes, que a pesar de ser correctos y hasta tener más virtudes que defectos son poco lo que dejan en el espectador. En este último grupo se sitúa Defiance (Desafío), la nueva película de Edward Zwick.
La obra está basada en un hecho real y narra la historia de los hermanos Bielski, quiénes lideraron un grupo de refugiados judíos en el bosque Naliboki en Bielorrusia para escaparle a la persecución nazi en la Segunda Guerra Mundial y terminar salvando a más de mil personas.
Lo más atractivo de Defiance se centra en el enfrentamiento ideológico entre dos de los cuatro hermanos Bielski y el nudo dramático que esto representa en torno a sus respectivas figuras. Tuvia (Daniel Craig) es el mayor y el que tiene carácter de líder, un hombre sereno que siempre tendrá por delante el bien de la comunidad que lo sigue; en tanto que Zus (Lieb Schreiber) resulta ser un joven más temperamental e impulsivo que irá en busca de sangre tras el asesinato de sus padres.
La película es mayormente tibia, pero de la cual hay que destacar elementos como la sutil composición musical de James Newton Howard, que es la que en gran parte (aunque parezca desapercibida) hace entrar de a ratos en el transcurrir de los hechos de la narración, que junto a la cuidada fotografía del portugués Eduardo Serra e imponentes imágenes que reconstruyen la época, provocan interés en la obra.
Pero el film de Zwick, que está basado en el libro Defiance: The Bielski Partisans de Nechama Tec, falla desde la estructura del guión, que está compuesto por una historia llena de hechos fuertes y diversos conflictos, que al no estar bien sustentados narrativamente hacen que por momentos todo se vuelve chato y monótono, con diálogos que aportan poco al desarrollo de la trama y hacen de los 137 minutos de Defiance un tanto excesivos.
En aspectos generales, hay que destacar que el nuevo film de Zwick (tras The Last Samurai y Blood Diamond) se centra en una historia no muy difundida de la Segunda Guerra Mundial, aunque poco ahonda en la profundidad de los hechos y se basa más en clichés típicos sobre películas del Holocausto como lo es entre otros la glorificación del líder (en este caso Tuvia) por parte de sus aliados y excesivos motivos de sentimentalismo y violencia productos del genocidio; que en conclusión harán de Defiance una obra intrascendente, pero correcta e interesante en determinados aspectos.

La madurez de un cineasta distinto

2009-08-02T19:30:00.000-07:00

El cine de Kim Ki-duk es exquisito por donde se lo mire. El realizador surcoreano diseña en cada largometraje una poética que lo identifica, destacando como nadie lo complejo a través de lo simple y abarcando con una madurez y sencillez superlativa diversos tópicos mediante films provocadores, originales y sumamente bellos.
Soom (Aliento) narra como Yeon (gran actuación de Park Ji-a), una mujer que descubre que su marido tiene una amante, decide engañarlo con Jan Jing (Chang Chen), un preso condenado a muerte que le causaba intriga tras observar diariamente los noticieros televisivos.
La película destaca con una total delicadeza y a su vez con admirable profundidad temas como el amor, el odio, la culpa, la locura y la paranoia, típicos contenidos del cine de Ki-duk, quién acostumbra implicarlos por intermedio de personajes oscuros y atormentados que mantienen relaciones excéntricas, en dónde pareciera que se dice poco, pero se expresa mucho.
El surcoreano es un maestro del cine gestual, profundizando esta hermosa poesía de las pocas o nulas palabras en films como Bin-jip (Hierro 3), en dónde un indigente que se dedicaba a ocupar casas cuando sabía que estaban vacías, se enamora de la mujer dueña de casa; a él no se le escuchará ningún parlamento, mientras que la pareja no mantendrá ningún diálogo en el trascurso de las acciones. Algo similar sucedería después en Hwal (El arco), en este caso un viejo pescador que vive en el medio del mar con una joven que adoptó desde niña no pronunciará palabra en toda la obra.
En este aspecto se puede considerar un paralelismo que Ki-duk construye a través de su filmografía entre Soom, Bin-jip y Hwal, ya que en la primera Jan Jing no se vale de las palabras para expresarse, sino de sus gestos, como lo eran el indigente en la segunda y el pescador en la tercera.
A través de personajes lunáticos que aportan una gran tensión dramática y hacen de los simples hechos que transcurren en la narración una catarsis de diversos sentimientos y situaciones que desbordarán los límites de lo bizarro, Soom se irá desarrollando con una gran efectividad.
Otro punto fundamental de la película, es la dedicación que el director le da a las estaciones climáticas en torno a lo que les irá sucediendo a los protagonistas. Ya en Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom (Primavera, verano, otoño, invierno… y otra vez primavera) Ki-duk manifestaba metafóricamente mediante cada etapa las situaciones que vivirá un aprendiz de un monje budista en un monasterio en medio de un lago. En Soom, la relación entre Yeon y Jan Jing florecerá en una ficticia primavera e irá abarcando los demás ciclos, siendo primordial lo que cada uno de estos implica simbólicamente entre los personajes.
Avalada por un magistral estilo de autor, Soom es otro gran film de Ki-duk que atrapa de principio a fin, haciendo sentir la intensidad de cada personaje a través de una narrativa tan vistosa, como interesante y provocadora que dejan al realizador de Corea del Sur como uno de los más brillantes del cine contemporáneo.

Entre la acción y los sentimientos

2009-07-31T22:15:00.000-07:00

John Dillinger fue un asaltante de bancos nacido en Estados Unidos que tuvo una gran difusión mediática en la época de la Gran Depresión en la década de 1930. La fama del gángster se dio, en gran parte, a lo rápido y efectivo que era a la hora de realizar sus crímenes, cómo la manera en la que burlaba a las fuerzas policiales.
El director Michael Mann con Public Enemies va a allá de los hechos delictivos de Dillinger y lo demás relacionado a éstos; se basa en la personalidad del criminal, en su manera de ser, en el sentir de éste, cuestión que logrará gracias a la muy buena actuación de Johnny Depp.
El film no es un clásico de gángsters típico de esas obras maestras de la historia de la mafia pudiendo citar a The Godfather de Francis Ford Coppola, Once Upon a Time in America de Sergio Leone o Goodfellas de Martin Scorsese; sino todo lo contrario, es mas de la talla de aquellos más comerciales pero atractivos y de acción como The Untouchables de Brian De Palma, ligado a la persecución entre el “bueno” y el “malo”, si es que se pueda clasificar a los personajes de tal manera.
Mann es un buen realizador a lo que films de acción se refiere, ya lo había demostrado con Heat y Collateral, y con Public Enemies saca a la luz los tópicos del género que mejor domina, y que a partir de esta persecución entre el policía (en este caso el duro Melvin Purvis que interpreta sobriamente Christian Bale) y el ladrón (Dillinger) logrará un nudo de interés, sólo desviándose de éste en cuestiones menores, que en caso de haber sido omitidas le hubieran dado aun más ritmo a una película que apenas se sobrepasa en su duración.
Pero como se cito anteriormente, el director también se dedicará a lo que es el interior del personaje de Depp, a quién lo dosifica de una gran inteligencia, coraje y seguridad, pero con el defecto de su sentimentalismo por sus amigos y por las mujeres, o mejor dicho por una de la que perdidamente se enamora: Billie Franchette, que es interpretada de gran manera por Marion Cotilliar, aquella que había ganado en 2008 el Oscar a la mejor actriz por La môme, en su interpretación de la cantante Edith Piaf en el film de Olivier Dahan.
Lo más destacado de la película no son sólo las grandes actuaciones de Depp y Cotillard, como la conducción por parte Mann, y las grandes secuencias de acción mayormente destacadas por el gran manejo de la cámara en mano; sino que también es para acentuar como se recreó toda una época, que sin la soberbia fotografía de Dante Spinotti no hubiera sido posible.
Public Enemies es una película bien lograda, quizás no será recordada como una gran obra, pero si como un buen film de acción que retrata de gran manera a un sentimental y controvertido personaje; es de aquellos que entretienen, pero que también dejan su rastro en materia cinematográfica, para cerrar satisfactoriamente otro proyecto más que correcto de Mann.

Un nuevo cosmos de melodías alucinantes

2009-07-29T18:15:00.000-07:00

Tras haber experimentado con sonidos raros y exageradamente eléctricos en su anterior disco The Bedlam in Goliath en 2008, como también con largos temas de talla vanguardista, The Mars Volta vuelve al ruedo con Octahedron, un potente trabajo discográfico que se asemeja más a los inicios de la banda, aunque con renovados e interesantes toques acústicos.
Estaría de más destacar el virtuosismo de Omar Rodríguez-López con la guitarra como la euforia de Cedric Bixler-Zabala al momento de entonar las letras de cada tema del conjunto estadounidense, pero esto quedará completamente afianzado en su quinto álbum de estudio.
Octahedron esta compuesto de ocho temas inéditos, de casi cincuenta minutos de electrizantes melodías, las cuales se asemejan más a las de sus primeros discos De-Loused in the Comatorium de 2003 y Frances The Mute de 2005 y en parte haciendo recordar a At The Drive-In (la banda anterior de Bixler-Zabala y Rodríguez-López), destacando ante lo experimental, sonidos de rock progresivo y lo melódico de cada nueva canción.
Pero The Mars Volta siempre fue un grupo ligado a lo experimental y esta nueva placa, en parte, no es la excepción, ya que las variantes acústicas que se hacen presentes en Octahedron son una novedad dentro del universo del conjunto. Esto se presenta desde el comienzo, ya desde «Since We’ve Been Wrong», el tema de apertura, se pueden escuchar los delirantes arpegios de Rodríguez-López con su guitarra.
A lo largo del álbum se irán intercalando los sonidos eléctricos con los acústicos, y potentes temas como «Teflon» y «Cotopaxi» se enlazaran con bellas canciones acompañas por un onda “unplugged” (aunque de desenchufado no tendrán nada) como «With Twilight As My Guide» y «Copernicus».
Otra joya del LP es el tema de cierre «Luciforms», enérgico por donde se lo interprete a lo largo de sus ocho minutos y 22 segundos, desde la tonada de Bixler-Zabala, como de los geniales y excéntricos solos de guitarra eléctrica de Rodríguez-López y el gran acompañamiento del muy buen batero Thomas Pridgen.
En conclusión, The Mars Volta ha regresado a su mejor forma, experimentando entre lo nuevo y lo clásico dentro de la banda para crear con Octahedron una placa intensa, alucinante y llena de virtuosismo de la mano de sus músicos, concretando un trabajo interesante, variado y de una calidad digna de ser escuchada.

Una fábula mágica y encantadora

2009-07-24T18:59:00.000-07:00

El japonés Hayao Miyazaki es el gran maestro del cine contemporáneo de animación. Su excelencia para la creación de universos que rozan lo real con lo fantástico a través de magistrales y verosímiles historias, como la calidad técnica de sus films, hacen de él un cineasta estupendo, que con Gake no ue no Ponyo (Ponyo y el secreto de la sirenita) vuelve a deleitar con su nueva y exquisita pieza.
Films como Mononoke-hime (La princesa Mononoke), Sent to Chihiro no kamikakushi (El viaje de Chihiro), o Hauru no ugoku shiro (El increíble castillo vagabundo) dejan bien en claro de lo que Miyazaki es capaz. Historias filosóficas y llenas de magia, con personajes complejos y fábulas asombrosas para cualquier rango de espectadores.
Con Gake no ue no Ponyo, el japonés crea una fábula de carácter más infantil a sus predecesoras, en dónde un niño (Sosuke) encuentra a una pecesita roja con rostro que quiere convertirse en niña para estar al lado de su nuevo amigo, aunque deberán lidiar con Fujimoto, el protector padre de ésta que quiere que retorne al océano.
En el nuevo film de Miyazaki todo es posible y lo real y lo fantástico interactúan con una total delicadeza, desde personajes del mundo real como lo son Sosuke y su madre Lisa, como con la aparición de Ponyo, su padre (un humano que decidió vivir en las profundidades del océano), su madre y todopoderosa sirena, cómo unas geniales olas que tornan vida para ayudar en los propósitos de Fujimoto.
Miyazaki vuelve a crear personajes interesantes y vistosos, dónde fusiona la parte humana con la animal o fantástica, como lo había hecho antes con Haku, un niño que se transformaba en dragón en Sent to Chihiro no kamikakushi, o San, la princesa lobo de Mononoke-hime; en este caso Ponyo es una pecesita con súper poderes que querrá convertirse en una niña verdadera.
A primera vista, el film parece simple, pero tanto sus interesantes personajes de una gran complejidad dramática, como la bellaza de cada uno de los detallistas dibujos (que están hechos a mano dejando de lado las nuevas tecnologías digitales) hacen que Gake no ue no Ponyo sea más que interesante y no solo imprescindible para los más pequeños.
Otro aspecto de gran riqueza en la película es su banda sonora, la cual Joe Hisaishi compone con maestría combinando lo clásico con lo moderno y lo virtuoso con lo encantador.
Miyazaki concreta otra gran obra para su imprescindible filmografía, y a pesar de que Gake no ue no Ponyo no posea la genialidad de sus films anteriores, es una película encantadora, repleta de magia y principalmente de una exquisitez inagotable en la expresión producida en cada trazo a la hora de la animación del film y del más real mundo de la fantasía, el que nos sigue proporcionando el maestro japonés.

El loco mundo de la revolución

2009-07-03T10:15:00.000-07:00

La obra aun no empieza, pero los locos ya andan sueltos por el macabro escenario mientras esperan que suene la campana. Serán testigos del enfrentamiento que esta por comenzar, pero en este caso lejos de un ring de boxeo, y más cerca de una imaginaria batalla psicológica o un diabólico ensayo entre la razón y el escepticismo, la ideología revolucionaria y el nihilismo, entre Juan Paul Marat y el Marqués de Sade.
Marat-Sade, dirigida por Villanueva Cosse, es una adaptación del clásico de Peter Weiss de 1964, siendo una pieza característica del teatro dentro del teatro.
La escenificación se ubica en 1808 en el manicomio de Charenton posterior a la Revolución Francesa, en dónde Sade (que allí había pasado sus últimos años) presenta una obra escrita y montada por él, la que protagonizarían los locos del asilo. La representación que propone el marqués tiene lugar en 1793 y consiste en los hechos que derivarían en el asesinato de Marat por Charlotte Corday.
Cosse manifiesta en tono exquisito esa conocida “imagen” de la muerte de Marat en la bañera apuñalado por Corday, que habían representado tan brillantemente en la pintura Jacques-Louis David con La muerte de Marat en 1793 y Paul Jacques Aimé Baudry con Charlotte Corday en 1860.
La obra de Cosse es atrapante y no deja respiro a pesar de los 125 minutos aproximados que dura la presentación. Mantiene atento al espectador con un asfixiante desarrollo que mezcla el drama, el suspenso, y el musical con destellos de humor negro. La realización también recurre a clásicos de la ideología teatral como las de Bertolt Brecht, a través del marco intelectual que se le presenta al público, como también lo frío y pesimista del argumento; y la de Antonin Artaud, con un sentido de rigor violento y la condensación extrema de elementos escénicos que deben entenderse a través de la crueldad en la cual están basados.

Marat-Sade logra una importante efectividad en el espectador debido a las muy buenas actuaciones de Lorenzo Quinteros (en el rol de Sade), Santiago Ríos (gran representación bufonesca de Jacques Roux) y de los cantantes Luis Herrera, Julián Pucheta y Sol Fernández López.
Otro punto para destacar de la obra es la correcta escenografía de Tito Erguza como el excelente vestuario de Daniela Taiana. Ambas características recrean la época a partir de una gran verisimilitud.
Con Marat-Sade, Cosse logra una interesante obra y un efectivo coctel de ideologías, locuras y delirantes exageraciones a través de personajes oscuros y un marco tétrico que dejara exhaustos y conformes a los espectadores que se acerquen a la sala Martín Coronado del Teatro General San Martín.

Un vuelo lleno de ilusiones

2009-06-15T15:17:00.000-07:00

El cine es la más fiel relación entre lo que es la esfera de lo real y la de la fantasía, y más que nada los films de animación son los que han llevado la posta en la contemporaneidad, aunque tampoco habría que excluir de tal intersección a películas fuera del universo de lo animado, como lo son Edward Scissorhands o Big Fish del genial Tim Burton.
Up de Pete Docter es un claro ejemplo de cómo la realidad y la fantasía pueden volar de la mano, en dónde Carl Fredricksen (un hombre de 78 años) ata a su casa montones de globos para hacer de ésta un vehículo flotante que lo traslade a Las Cataratas del Paraíso, un sitio en Sudamérica con el que siempre soñó en visitar con Ellie, su mujer de toda la vida, quién ha fallecido recientemente.
El nuevo film de la productora Pixar, que ya había deslumbrado con la presentación de impecables realizaciones como Toy Story, The Incredibles y WALL-E, emerge al espectador nuevamente en este universo animado que nos demuestra últimamente que mucho de lo fantástico puede asimilarse como real, como lo hiciera en gran parte de su filmografía el maestro japonés Hayao Miyazaki, y más específicamente en la magistral Hauru no ugoku shiro (El increíble castillo vagabundo), a la que Up le brinda un merecido homenaje.
Sin dudas, el film de Docter puede ser categorizado como “lindo”. Sí, de aquellos donde la magia oscila entre el amor, pero no el propio del sentimentalismo barato, sino de aquel que se logra por el puro sentimiento de querer algo o a alguien e ir tras la conquista de ese cometido. Así como en clásicos del cine de la talla de It’s a Wonderful Life de Fran Capra o Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore, Up es “linda” debido a que todo lo que realiza Carl es posible por las premisas del recuerdo de su mujer y los sueños que tenían juntos.
Carl contará con la compañía de Russell, un niño explorador que se entrometerá en su casa, como también la de un perro (Dug) y un ave exótica (Kevin) que conocerán en Venezuela y los ayudarán a enfrentar al tirano Charles Muntz como a cada obstáculo que se les vaya presentando. A partir de sus divertidos personajes, Up combina el sentimiento amoroso con la comedia y el género de aventuras, y va construyendo una cadena de solazados acontecimientos sin omitir todo tipo de emociones.
Lo bello del film no sólo se da por lo bien llevada de la temática y el impecable guión de Docter y Bob Peterson, sino por el encantador acompañamiento musical de Michael Giacchino, cómo por el interesante uso de la tecnología 3D, que en vez de ser utilizada de una manera ostentosa, lo es para una correcta figura de profundidad de campo.
Up es un universo de real fantasía, decorada por una inmensa belleza que entretendrá a los más chicos como conmoverá a los adultos, en tanto que Pixar deja la firma de que se pueden hacer películas para todas las edades y principalmente en base a esto, disfrutar de un producto rico en materia cinematográfica.

Un universo de grandes variedades artísticas

2009-06-10T19:44:00.000-07:00

La décimo octava edición de ArteBA que se realizó en el complejo de La Rural del 22 al 26 de mayo tuvo un balance positivo, ya que aparte de la gran cantidad y diversidad de público que se hizo presente, la edición de 2009 superó en ventas a la del año anterior.
Una de las obras que causó más revuelo en la exposición fue Pesadilla de los injustos, la monumental realización que el santafecino Antonio Berni crearía en 1961, no solo llamó la atención por la virtuosidad de las distintas figuras que la componen, sino por su importante tamaño de 3 x 4 metros que posee este cuadro de acrílico y esmalte sobre tela perteneciente a la serie de Juanito Laguna. La obra, patrimonio de la galería uruguaya Sur, fue finalmente adquirida por el Museo Nacional de Bellas Artes.
Otro trabajo que provocó asombro en la feria fue la emblemática Galería Blanda de Marta Minujín, ya que gran cantidad de gente hacía largas colas para participar de este happening. La obra había sido presentada por primera vez en 1973 en la Galería Harold Rivkin de Washington DC, junto al artista Richard Squires. Esta reconstrucción estuvo constituida por 180 colchones donados por una primera marca, con los que Minujín armó una estructura atándolos entre sí con sogas, que recubren paredes, techo y piso de la galería, exhibiendo en su interior fotografías y videos y funcionando también como plataforma para la realización de performances a cargo de artistas invitados por ella.
También fue interesante y captó la atención del público la presentación del film El artista de Mariano Cohn y Gastón Duprat, brindándole a los espectadores una contraposición a lo que fue la muestra en sí, ya que la película critica el arte moderno, como a sus artistas, espectadores, críticos y el modo en que las galerías seleccionan las obras artísticas para una exposición.
La obra que se adjudicó el ya clásico Premio ArteBA-Petrobras de Artes Visuales, dotado con la suma de 40.000 pesos, fue (Habitación quemada) la furia de Léucade del argentino Tomás Espina, quién en una habitación y sobre las paredes totalmente quemadas y llenas de hollín, dibujó fragmentos superpuestos de El triunfo de la muerte del holandés Peter Brueghel, uno de los más reconocidos pintores flamencos del siglo XVI.
Otra interesante realización de las que competían por el premio fue la llamativa Locutores profesionales leen El Capital de Karl Marx de Bruno Dubner y Rodrigo Moreno, que consistió en que durante las horas que duró ArteBA 2009, tres locutores profesionales se alternaron sucesivamente para leer las tres mil trescientas sesenta y seis páginas que componen la totalidad de El Capital de Karl Marx. En este caso fue interesante la curiosidad y los cuestionamientos contrapuestos acerca del arte moderno y las neo vanguardias que la obra causó en el público.
En conclusión, se puede decir que esta nueva edición ArteBA les obsequió a las más de 125.000 personas que se hicieron presentes una gran cantidad de variantes artísticas, y de invaluables autores como los ya nombrados Berni y Minujín, entre otros de gran trayectoria como Xul Solar, Alberto Greco, Raquel Forner y Gyula Kosice.

Las idas y venidas en el tiempo

2009-05-18T17:31:00.000-07:00

Cuando un film propone una narración con diversas líneas temporales, deben darse unos cuantos factores para que la historia sea llevadera y no maree al espectador. En The Reader, tercer film del británico Stephen Daldry, esto se da gracias al cuidado montaje de Claire Simpson y a la excelente fotografía de Roger Deakins y Chris Menges que recrean de manera estupenda la Alemania de la década del 50 en adelante.
Basada en la novela del alemán Bernhard Schlink, The Reader intercala básicamente tres períodos del tiempo pasado a partir del presente en dónde arranca la obra. El primero en la República Federal Alemana de 1958, dónde se narra un romance entre Michael (David Kross), un joven de 15 años quién se enamora de Hanna (Kate Winslet), una mujer mayor de 30 años con la cual se inicia sexualmente y a pedido de ella cada tarde le leía fragmentos de distintos libros.
La ubicación en el tiempo se traslada una década después, Michael ya se encuentra estudiando abogacía en la universidad, en tanto que yendo a presenciar un juicio se cruza con que Hanna es una de seis acusadas por haber sido guardia en el campo de concentración de Auschwitz en la Segunda Guerra Mundial, produciéndose un giro más que shockeante en la historia.
A partir de ese momento es cuando la película va perdiendo su encanto y el guión de David Hare se vuelve irregular, y lo que era una historia sólida y atrapante pasa a ser un relato que, por momentos, empieza a perder su interés a partir del tercer apartado temporal de importancia en la narración que ubica a un Michael ya adulto (Ralph Fiennes), quién vuelve a tener contacto con ella unos cuantos años después.
La cuestión radica en que quizás el hecho más fuerte de The Reader, lo que concierne al genocidio del Holocausto, no tiene una línea temporal propia en el espacio fílmico, sólo es mencionado y le quita fuerza a una narración que viene de un lapso pasional, para luego acaparar de repente un tema mucho más crudo, que en caso de no ser omitido le hubiera dado más realismo y credibilidad a la historia, que venía manteniendo un hilo más que interesante.
Pero en conclusión, se puede decir que luego de Billy Elliot y The Hours, Daldry redondea con The Reader otro correcto film, que a pesar de sus carencias en determinados lapsos del tiempo narrativo, se apoya firmemente en los rubros técnicos, cómo en la buena actuación de Winslet, que por su papel de Hanna obtuvo, tras su sexta nominación, su primer Oscar como mejor actriz.

Un nuevo paseo mágico por el universo de Robyn Hitchcock

2009-03-11T11:56:00.000-07:00

Robyn Hitchcock es un artista distinto, un compositor interminable, parece que el tiempo no transcurre en vano para este inglés de ya 56 años, y esto queda más que aplicado con su nuevo trabajo discográfico: Goodnight Oslo.
Para esta nueva placa, Hitchcock vuelve a reunir a The Venus 3, banda con la que había grabado el disco Ole! Tarantula, que esta compuesta por él en guitarra y armónica, Peter Buck en guitarra, Scott Mc Caughey en bajo y Hill Rieflin en batería.
Entre los doce temas de Goodnight Oslo se destecan «Hurry For The Sky», una agradable balada con un sutil comienzo de armónica e hipnotizantes arpegios de guitarra como «Sixteen Years», y alegres canciones como «Up to Our Nex», «Intricate Thing» y «I Just Wanna Be Love», que hacen mantener intacta aquella psicodelia de The Beatles allá por la década de 1960. También hay que nombrar al intenso tema que le da nombre al álbum, que con una genial voz de Hitchcock hacen de éste la pieza más interesante y mística del trabajo discográfico.
El nuevo disco de Hitchcock tiene la fuerza y calidez de su antecesores, y se encuentra cerca del rock and roll clásico, ritmos psicodélicos e interesantes toques jazzeros. Robyn logra una placa más que interesante, llena de energía positiva en doce temas que alegraran a sus fans y demás oyentes en estos delirantes 56 minutos de acordes mágicos hitchcockianos.
Hitchcock esta de nuevo y en un gran nivel, no será el de gloriosos discos como Fegmania!, Eye o Black Snake Diamond Role, pero si se puede decir que Goodnight Oslo es un trabajo más que reconfortante y que a pesar de los años mantiene al inglés en la cima de la música.

¿Quién quiere ser un fraude?

2009-03-04T08:48:00.000-08:00

Cuando Steven Spielberg abrió el sobre y dijo: “The Oscar goes to… Slumdog Millonaire” me vinieron unas cuantas cosas a la cabeza. Primero que año tras año se han llevado la estatuilla mejores o peores películas, pero creo que nunca una tan mediocre cómo este último film de Danny Boyle. Segundo que se esta premiando (supuestamente) al mejor film de 2008. Y tercero ¿qué es lo que se esta premiando? O mejor dicho, la gente que entrega esta clase de reconocimientos ¿qué entiende por cine?
Slumdog Millonaire es un film muy pobre, sin ideas, centrado en una historia de amor que intenta constantemente llegar a un sentimentalismo exagerado mediante el golpe bajo y lograr que el espectador se sienta herido e identificado por las desgracias que les suceden a los personajes. Pero obviamente no lo logra.
Jamal es un joven de Bombay que esta enamorado desde chiquito de Latika y luego de una separación intentará encontrarla, para eso entrará en un programa de difusión masiva: ¿Quién quiere ser millonario? El film muestra la pobreza, la delincuencia y demás hechos caóticos de la actualidad de la India, pero la cuestión es que no profundiza en el tema social que por momentos intenta encarar, sino que lo omite, lo muestra de lejos, como una foto, como un relleno.
Pero se ve que con eso no alcanzaba. Algo que es muy vergonzoso en la película de Boyle es algo pequeño, pero que no puede pasar desapercibido. Como ya dije anteriormente gran parte de Slumdog Millonaire centrara a Jamal en el famoso juego de preguntas y respuestas, o sea que mientras más acertaba, más dinero iba a sumar para luego responder por el premio mayor. Se me ocurre que en un programa así, las preguntas deberían ser más complicadas y finalizar con una imposible que complejiza el juego. Pero en el film, curiosamente las preguntas son sencillas y poco verosímiles, como si quisieran manifestar o ironizar la ignorancia de los concursantes indios, o al menos eso es lo que aparenta a primera vista.
A mi parecer lo más flojo del film es el guión, que curiosamente también fue galardonado. El trabajo de Simon Beaufoy es muy pobre, predecible y sin sorpresas con una narrativa básica de un relato más que obvio, compuesto por personajes sin expresión, llenos de lugares comunes propios de un argumento convencional: el chico bueno que se separa de la chica que es el amor de su vida, pero tiene un hermano cruel que hace las cosas mal y en parte se interpone entre ellos, pero ya mayores el chico encuentra a la chica, el hermano se redime y se muestra arrepentido y da la vida por su hermano, los chicos terminan juntos y todos felices.
Respecto a las demás películas nominadas hay que decir que tanto Milk de Gus Van Sant como Frost/Nixon de Ron Howard son dos muy buenos films, los cuales hay que tener en cuenta por su buena realización y excelentes actuaciones. Pienso que cualquiera de los dos merecidamente debería haber ganado el Oscar. En tanto, un poco más abajo se encuentra The Curious Case of Benjamin Button, correcto y excelente visualmente, pero que tampoco aporta cosas demasiado interesantes. Por último no puedo opinar acerca de The Reader, ya que aun no ha sido estrenada en la Argentina.
Pero a pesar de lo nombrado, hubo dos momentos de entera justicia en la ceremonia, primero el merecidísimo premio como actor de reparto al póstumo Heath Ledger por su interpretación del Joker en The Dark Knight, en tanto el reconocimiento al rol principal de Sean Penn en Milk, quién logra una de las mejores actuaciones de los últimos años. Esta última categoría estaba bastante peleada, ya que muchos también creían que el galardón debería haber sido para Mickey Rourke por su gran labor en The Wrestler.
Pero esta situación no solo abarca al año último con el reconocimiento a Slumdog Millonaire, dónde se optó por lo mediocre, marketinero y lo que es peor, por algo aproximado a lo vulgar que en vez de cine se remite más a un videoclip; sino que el Oscar nos deja unas cuantas cuestiones para reflexionar acerca de la justicia a la hora de la premiación, sino como se puede entender que genios del universo cinematográfico como Stanley Kubrick, Orson Welles y Charles Chaplin no hayan sido galardonados por su labor como directores, o los dos últimos también como actores o que Peter O´Toole no haya ganado por su protagónico en Lawrence of Arabia…

En Oviedo hay una estatua muy inspiradora

2009-02-10T08:55:00.000-08:00

Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) son dos jóvenes estadounidenses que se encuentran en Barcelona para pasar el verano. Resulta que en una muestra artística, ellas conocerán al pintor Juan Antonio (Javier Bardem), quién invitara a las bellas desconocidas a un paseo por Oviedo y junto a este, a un desenfrenado fin de semana.
A la pregunta de “¿Qué hay en Oviedo?”, Juan Antonio les respondería “Hay una estatua muy inspiradora”. En lo estrictamente textual del film, se puede observar que tal escultura es un Cristo que inspiraba al pintor. Pero se puede pensar que el viejo y genial Woody Allen ironiza con su propia estatua que se encuentra en Oviedo, la cual fue hecha luego de que en 2002, uno de los mejores directores que dio el cine, haya ganado el premio Príncipe de Asturias en Artes.
Con su último film, Vicky Cristina Barcelona, Allen demuestra que su cine es un tesoro inagotable, creando una comedia simple, pero a su vez compleja y sin fisuras. Allen no solo demuestra que tiene un don a la hora de elaborar guiones y darles vida a sus interminables personajes, sino que también sabe manejar a la perfección la comedia, el drama, la música, lo intelectual. Cada pieza (o plano) estaba ubicada a la perfección, no hay un minuto que este de más.
Con la película, Allen se ríe todo el tiempo de la típica relación de pareja monogámica y de las clases burguesas que generalmente las componen. Es así como en Vicky Cristina Barcelona, la mayoría de sus personajes terminarán involucrados en diversas infidelidades. Vicky es una joven muy conservadora que esta por casarse con Doug (Chris Messina), un adinerado empresario o el típico hombre aburrido; en tanto que Cristina es una mujer mucho más liberal y siempre dispuesta a encontrar nuevas emociones, sin importarle las consecuencias.
A la gama de las complejas caracterizaciones, hay que decir que Juan Antonio es un artista víctima de las mujeres, cómo que siente que éstas lo provocan todo el tiempo, y gracias a su encanto conseguirá fácilmente la compañía de ellas. Pero todo no es tan sencillo, ya que el personaje de Bardem se encuentra enamorado y nunca ha podido olvidar a su ex esposa María Elena (Penélope Cruz).
El personaje de María Elena resulta el más interesante del film, el más melodramático, exagerado e impactante, no sólo por su belleza, sino por su gracia, en una completa y genial actuación de Cruz.
El director de Annie Hall y Hannah and Her Sisters, logra componer otra gran pieza en su ya magistral obra, sólo que esta vez deja de lado el jazz de Manhattan e incursiona (de manera brillante) con la guitarra española y artistas como Giulia Tellarini (a quién le corresponde el tema principal del film), Paco de Lucía, y Juan Serrano, entre otros.
En definitiva, Vicky Cristina Barcelona es un film cálido, divertido y satisfactorio a lo largo de su poco más de hora y media, el cual resulta imperdible y deja pensando al espectador: “que esos títulos blancos sobre aquél fondo negro sigan apareciendo año tras año”. Allen es un genio y se debería de esculpir su figura por unas cuantas ciudades del mundo.

Los genios son inmortales como el cine mismo

2009-02-06T10:06:00.001-08:00

En principio, la idea es comentar Changeling, pero a lo largo de este texto, a parte del film, produciré un digno homenaje a su realizador: el gran Clint Eastwood.
Eastwood es uno de los mejores directores y actores del cine contemporáneo. Un genio que le dio vida a inolvidables personajes como el Rubio en Il buono, il brutto, il cattivo, de Sergio Leone o a Harry Callahan en Dirty Harry, de Don Siegel, para mencionar quizás sus más reconocidas caracterizaciones a lo largo de su extensa relación con el séptimo arte.
A pesar de sus grandes dotes como actor, Eastwood enriquecería su grandeza con su labor como director, siendo su primer gran obra Bird, de 1988, un crudo film que narra la vida del brillante compositor de jazz norteamericano Charly Parker.
Luego, Eastwood sorprendería en 1992 con Unforgiven, un gran western que ganaría el Oscar a la mejor película y le valdría a él su primero como director y a su vez su primera nominación como actor.
Los diez años siguientes le servirían al estadounidense para filmar diversos films de variados géneros, animándose hasta con la ciencia ficción con Space Cowboys, aunque sus películas más destacadas de la época serían el drama A Perfect World y la romántica The Bridges of Madison County.
Para mí, después vendría el quiebre fundamental en la carrera de Eastwood, ya que entre 2003 y 2008 filmaría una seguidilla de películas de un valor sublime, siendo meritorio que un realizador a los 78 años en vez de quedarse con todo lo grandioso que había hecho, pueda llegar a la cúspide de su carrera en la que podemos denominar su etapa dorada.
Todo comenzaría con el genial thriller Mystic River de 2003, para seguir al año siguiente con el drama boxístico Million Dollar Baby, y llegar a la excelencia en 2006 con sus dos films sobre la Segunda Guerra Mundial y la Batalla de Iwo Jima, mostrando en Flags of Our Fathers la visión norteamericana y en Letters From Iwo Jima, la japonesa en un magistral film hablado completamente en japonés que ya se podría considerarse de culto.
Luego llegaría el momento de Changeling, un drama basado en un hecho real que cuenta la historia de Christine Collins (gran interpretación de Angelina Jolie), una madre soltera de Los Ángeles a la que le desaparece su hijo Walter. Pasados cinco meses, la policía supuestamente encontraría a su hijo, pero resulta que este no sería tal.
Convulsionada por los hechos y los medios, Christine se llevaría al niño con ella, y cuando ésta exige la búsqueda de su verdadero niño, la corrupta policía, en vez de aceptar el error, opta por encerrarla en un instituto psiquiátrico. A todo esto, Christine contaría con la ayuda del reverendo Gustav (John Malkovich), que a parte de ayudarla con su cometido, usará esto para continuar su lucha contra la policía y la corrupción de las autoridades de la cuidad.
El film tiene un gran enfoque dramático, pero Eastwood tiene una gran capacidad para sumarle el adecuado suspenso a la obra, una pieza impecable narrada a la perfección como él nos tiene acostumbrados. Eastwood es un gran director de orquesta, logra que cada actor desempeñe de maravillas su papel, sea el principal como es el de Jolie o de todos los secundarios que la rodean.

También hay que destacar la gran fotografía de Tom Stern o el correcto y compacto guión de J. Michael Straczynski; y por ende resulta innegable decir que Changeling no sea una película de Eastwood, porque éste a logrado concebir una propia personalidad que nutre a sus películas, cada plano es impecable y reluciente de su autoría que ha logrado con creces un sello propio.
Changeling es una nueva gran película de un realizador que a pesar de los años sigue en alzas, el tiempo no lo deteriora, sino que lo llena de sabiduría a la hora de mezclarse con lo suyo: el cine, porque Eastwood es cine y nació para hacer películas.

Lisérgicos y alucinantes

2008-11-10T05:52:00.000-08:00

Este sitio estaba medio abandonado, pero los avatares de la vida me dan una importante excusa para mencionar mi asistencia al Personal Fest 2008 el 1° de noviembre, en dónde se presentó una de las bandas que más tenía ganas de presenciar en vivo en los últimos años, y la verdad que me fui más que satisfecho; por cierto, estoy haciendo referencia a The Mars Volta. Aquel fue un día más que caluroso en el Club Ciudad de Buenos Aires, que demostró ser un gran predio para hacer recitales. Cerca de las 19.30, en el segundo escenario en importancia salía a la escena la banda mexicana-estadounidense. A los pocos minutos, entre avalanchas y empujones, ya me encontraba a unos metros de la banda, eso sí, entre el grueso de la multitud se podría decir estimativamente que harían unos 200 grados, pero que importaba si The Mars Volta comenzaba a tocar.

No fue un show convencional, por cuestiones de organización solo tenían una hora para tocar ¿y qué fueron de esos sesenta minutos? Algo increíble. Tuve la sensación de estar frente a una banda que estaba haciendo “música” en vivo. Ahora no recuerdo la cantidad de temas que tocaron (creo que fueron cinco), pero todos ellos podrían haber sido uno solo, un conjunto de melodías limadas e hipnóticas que progresaban con un continuidad sonara estupenda.

Era pura energía, no paraban de tocar… solo quedaba ponerse a contemplar el virtuosismo y la genialidad del guitarrista Omar Rodríguez, los delirios del cantante Cedric Bixler-Zavala y, para mí, lo sorpresivo del baterista Thomas Pridgen, un tipo de una potencia estrafalaria, parecía de otra galaxia un ser que toque de esa manera.

El show me dejó deslumbrado, con una sensación post-recital que no tenía hace bastante, The Mars Volta no defraudó en lo más mínimo y a partir de ese momento fue tiempo de descansar, reponer energías y ver de reojo a bandas como Bloc Party, la cual estuvo más que aceptable, y Kaiser Chiefs, que paso sin penas ni gloria.

Apenas pasadas las 22, se presentaban los que eran la atracción mayor del festival: R.E.M. Pienso que después de haber visto a The Mars Volta ya estaba hecho, por lo cual bastante tranquilo (onda habano y whisky en un bar) me quedé lo más cercanamente posible del escenario principal para observar a la banda liderada por Michael Stipe.

Debo decir que el concierto de la banda estadounidense fue muy bueno. Stipe demostró ser un tipo más que carismático sobre el escenario (hasta improviso un genial pase de baile), mientras que el bajista y pianista Mike Mills y el guitarrista Peter Buck no dejaron de mostrar todas sus virtudes sobre la escena.

A lo largo del show tocaron grandes temas como Losing My Religion, Everybody Hurts, Man On The Moon y especialmente el que yo quería que toquen: Imitation of Life.

Fue una larga tarde noche. Muy amena, por cierto, y a pesar del calor, la jornada fue totalmente satisfactoria, por presenciar en vivo a una de aquellas bandas de toda la vida como lo es la de Stipe, y más que nada por las sensaciones que The Mars Volta provocó sobre el escenario.

Sonata de las siete y algo

2008-09-02T18:41:00.000-07:00

Tu boca,
sus arabescas corazas,
apacible,
vibración de deseo.

El caparazón de tu voz,
de aquel sonido, melodía,
palabra, letras, sílabas,
entonación esplendorosa.

Un valle en el tiempo,
fulgurante tu centro,
la espuma de tu trago,
lo cristalina de tu mirada.

Lo simple,
lo abstracto pronunciado,
invisible lo encantado,
manifiesto de lo sensible.

El fuego complacido,
una sonrisa deschavada,
una nube de costado,
lo misterioso de lo emanado.

Un delfín figurado,
un arte exteriorizado,
dos sueños cronometrados,
lírica instantánea.

La canción,
un puente, la situación,
suspiro desgarrador,
excelso.

La complejidad del universo paralelo entre el bien y el mal

2008-07-15T21:11:00.000-07:00

La mayoría de películas de superhéroes toman la clásica lucha del bien contra el mal, generalmente encerrada en una esfera de innovadores efectos especiales con el afán de entretener, atraer al público de diversas edades y lograr un producto rentable, que pueda hacer estallar los bolsillos capitalistas de las grandes productoras hollywoodesenses. Con esto no quiero decir que The Dark Knight –el nuevo film sobre Batman de Christopher Nolan- no vaya a arrasar con toda taquilla mundial posible, ya que de seguro será un gran éxito comercial, aunque también en este caso habría que sumarle otra distinción mucho más importante para el género: la gesta artística.
A simple vista, el nuevo film del personaje creado por Bob Kane en 1939 va más allá de ser una película de superhéroes, para pasar a ser un obra filosófica que a través de la ética, la moral y la psiquis de los individuos, retrata a la perfección las dos caras de la moneda: el bien y el mal.
No por nada en The Dark Knight, Nolan nos muestra con profundidad la locura, la paranoia y el instinto de sus personajes, los cuales son crudos y reales a pesar de ser ficticios, siendo quizás el mejor ejemplo de esta ambigüedad el Guasón, cuya genial interpretación del fallecido Heath Ledger crea a un villano de verdad, de aquellos que no gozan con el dinero, sino con el mal, la locura y la excitación que provoca el crimen. Es más, el personaje de Ledger no parece un ser natural, sino uno metafísico que es tan devoto a la maldad, que con solo su mirada quiebra las leyes de la moral y los prototipos de la conciencia humana.
La película de Nolan narra una vez más la lucha de Batman –Christian Bale- contra el crimen organizado teniendo al Guasón como su archirival de turno, aunque en la otra cara de la moneda hay que decir que se basa en las diversas estructuras del pensamiento, en el enfrentamiento físico pero también psíquico, siendo esto producto de un impecable y complejo guión que escribiría el mismo Nolan junto a su hermano Jonathan, para concretar una obra dramática de suspenso, acción y toques cómicos que nunca deja de serle fiel al comic original de DC.
The Dark Knight no es tan solo el producto de un guión brillante y el gran trabajo de un realizador que va creciendo a medida que pasan los años, sino que también se sustenta en una sutil partitura musical como en los diversos rubros técnicos, ya que aquellos despampanantes efectos especiales que cada vez se observan con mayor frecuencia en los films de superhéroes, aquí cumplen un papel fundamental, pero siempre de una manera cauta, como también lo son las no tan abundantes pero brillantes escenas de acción.
Por otro lado, sería imposible no mencionar el gran trabajo realizado por el departamento de maquillaje, tanto sobre el rostro de Guasón, cómo más espectacularmente lo es sobre el personaje de Harvey Dent –Aaron Eckhart-, el cual de seguro sorprenderá a muchos por lo fiel que es al comic de Kane y hará olvidar el triste recuerdo de aquel mismo personaje de la paupérrima Batman Forever de Joel Schumacher.
Nolan ya había demostrado que después del malogrado film antes nombrado de Schumacher como también del sumamente pésimo Batman & Robin del mismo director, pudo hacer resurgir al personaje de Ciudad Gótica con Batman Begins, y continuar la cadena con The Dark Knight, una obra que le es ampliamente superior y se encuentra a la altura de Batman y Batman Returns, las dos grandes películas que realizó Tim Burton.
Para concluir debo decir que The Dark Knight, entre otras minorías que nombré parcialmente, es una de las pocas obras “distintas” del género de superhéroes, las cuales buscan algo más que la espectacularidad que tienen por misión los grandes tanques de la globalización hollywoodense, siendo esto más que un motivo digno para ver esta nueva realización que se acerca a lo filosófico y lo complejo en vez de a lo alborotador y repetitivo.

Una nueva joya moderna de Woody Allen

2008-06-10T22:14:00.000-07:00

Woody Allen no deja de sorprenderme, y no lo digo por mi gran admiración o el fanatismo propio hacia la obra del cineasta neoyorquino, sino porque a sus 72 años sigue engrosando su amplia e imprescindible filmografía con joyas como Cassandra’s Dream.
Con Cassandra’s Dream, Allen nos cautiva con un nuevo thriller al estilo de Match Point, donde el crimen, la moral, las obsesiones y la codicia abarcan el centro de atención de esta nueva obra, la tercera que filma el estadounidense en Inglaterra.
Esta reciente película del director de grandes clásicos como Annie Hall y Manhattan, retrata la historia de Ian-interpretado por Ewan McGregor- y Terry-Collin Farell-, que son dos hermanos que se encuentran en dificultades económicas. Ian por su necesidad de progresar al haberse enamorado de una bella actriz, Angela-Hayley Atwell-, y Terry por sus crecientes deudas debido a su adicción al juego.
La esperanza de ambos derivaría en la visita de su tío millonario Howard-Tom Wilkinson-, aunque sus planes no tendrían una resolución tan sencilla, ya que este a cambio de su ayuda les pedirá un favor más que comprometedor: que comentan un crimen.
Cassandra’s Dream es un film muy bien logrado, que se fundamenta en base a un guión impecable y sin fisuras que mantiene un hilo narrativo sólido, mientras que la sutil partitura musical de Philip Glass acompaña de manera brillante y agudiza el suspenso de elaborada composición a lo largo de la película.
El film, el cual se puede decir que culmina con la trilogía que plantea Woody sobre el crimen con sus antecesoras Crimes and Misdemeanors (1989) y Match Point (2005), tiene marcadas referencias al cine de Alfred Hitchcock y la literatura de Fiódor Dostoyevski, redondeando un subgénero entre el suspenso, el drama y acotes humorísticos que Allen ha demostrado con creces que domina de gran manera.
En fin, se puede decir que Cassadra’s Dream es una película atrapante, de aquellas que no dan respiro y mantienen atento al espectador escena tras escena, redondeando un film plenamente recomendable que no dejará se sorprender y cautivar no solo a los admiradores de Woody Allen, sino también a los del cine en general.

Atemporalidad binaria

2008-05-26T17:42:00.000-07:00

¿De dónde vienes?
Dime porque apareciste,
entre los vientos
y con tu arboleda oscura.

Te encontrabas bebiendo
un perfume del jarrón del can
y me sonreíste de lejos,
como de Tokio.

Tu película no tenía argumento,
la mía tampoco,
mi firma estampada en tu centro,
tu nebulosa y tu espectro.

Tristes mis alas,
borrachas mis escamas
y mis pies que soñaban,
con tu médula de cristal.

Tu tonada francesa me hacía débil,
me daban ganas de fumármela;
mientras de tus raíces surgían
murciélagos en tu atardecer.

Creo que entre las dudas
y la indiferencia de la Luna,
se me dio por agarrar el globo terráqueo
y beberme un océano.

Una escena que inventé,
y al rato en mi pulpo cabalgué
hacia el cebo de tu vestido,
sobre aquella textura aterciopelada.

Crónicas del Bafici

2008-04-27T21:15:00.000-07:00

El Buenos Aires Festival de Cine Independiente (BAFICI) ocupa un lugar especial para mí, debo decir que año tras año en ese lapso de casi dos semanas me siento de lo mejor y por diversas razones disfruto mucho de tal evento.
Pero situándome al pasado cercano, tengo que admitir que la décima edición del Bafici fue una de las mejores, en donde en el transcurso de 12 días disfrute de 18 interesantes películas, suma a la que nunca antes había llegado en las anteriores, en una mezcla de sorpresas, calidad y muy pocas decepciones.
Cada día era una aventura constante, correr de cine a cine, dar zancadas entre las salas del Hoyts en el Abasto, o pasar más de una vez por el querido Atlas Santa Fe –y aquel lugar nuestro, don Ruso-, el Cosmos o el teatro 25 de Mayo, una impecable sala situada en Villa Urquiza que por primera vez se encontraba en la grilla del festival.
Pero arranco con lo que nos interesa a todos: el cine y sus películas. Debo manifestar que otra vez más los mejores films que he visto vinieron del continente asiático, destacándose sobre el resto dos grandes producciones: Sukiyaki Western Django, de Takashi Miike y Saibogujiman kwenchana –aka I’m a Cyborg But That’s OK-, del genial Park Chan-wook.
La película del japonés Miike es fenomenal por donde se la mire y para darles una idea, se la puede catalogar como una sopa de humor negro, violencia, spaghetti western, samuráis, reiteradas bizarreadas, un nivel visual impecable y como yapa la participación de Quentin Tarantino en el rol de un renegado cowboy ¡imperdible!.
Por otro lado, Chan-wook nos vuelve a sorprender con otro maravilloso film, ya que con Saibogujiman kwenchana, el realizador surcoreano –director de la gloriosa Oldboy- nos muestra una comedia romántica a su estilo, llena de sutilezas, acciones más que grotescas, una fotografía impecable y grandes actuaciones, destacándose la de la bella protagonista Su-jeong Lim.
Quizás para mi, la película que más me sorprendió en esta edición del Bafici fue Bang bang wo ai shen –aka Help Me Eros-, del director taiwanés Lee Kang Sheng, quién aquélla noche muchos nos dimos el placer de verlo presentar su película –mediante traductor de por medio- en la sala uno del Atlas Santa Fe, en donde se pudo presenciar a un tipo simpático, contento de ver tanta gente en el cine, pero con ganas de escaparse a Misiones a conocer las Cataratas. ¿El film? Un interesante drama acerca de la prostitución, el sexo, las drogas y los inconvenientes de las relaciones amorosas. Más que recomendable.
El otro film asiático que presencié fue Ploy, del director tailandés Pen-Ek Ratanaruang, un drama muy atrayente sobre una pareja que regresa a Tailandia por un funeral y se encuentra en una etapa de crisis.
Pero si tengo que decir algo, eso debería ser: este fue el festival con más variedad de películas relacionadas con la música, y justamente así comenzaba mi grilla personal, con la sumamente anunciada Shine A Light, de Martín Scorsese. Hay que decir que el film sobre los recitales que brindaron los Rolling Stones en el Beacon Theater de New York en 2006 es impecable; son un poco más de dos horas a pura emoción donde se puede ver la magia de Mick Jagger, Keith Richards y compañía sobre el escenario y la del realizador de Taxi Driver detrás de la cámaras.
También pude presenciar dos realizaciones documentales de Julian Temple: Joe Strummer: The Future Is Unwritten y Glastonbury, siendo la primera una interesante y muy bien lograda película sobre la vida del que fue cantante de The Clash, la cual cuenta con geniales testimonios y un gran material de archivo; en tanto que la segunda acerca del mítico festival musical europeo, resulta un poco monótona y a pesar de su excesiva duración igual cuenta con temas de relevancia.
Otros dos documentales que vi, aunque muy diversos, y siguiendo dentro del género musical fueron Lou Reed’s Berlin, del aclamado director Julian Schnabel, el cual se puede decir que es un lindo recital donde Reed –ex lider de The Velvet Underground- presenta en vivo luego de 35 años el disco Berlin, entre otros temas de su anterior mítica banda. Eso sí, es solo un show agradable para fanáticos –los cuales disfrutaran el film-, pero como película no aporta nada ni seduce demasiado.
Por otro lado, Patti Smith: Dream of Life, de Steven Sebring, es un muy buen film, en donde se puede observar gran parte de la vida e intimidad de la estrella punk nacida en Estados Unidos; no estando de más aclarar la importante crítica que muestra la película sobre la sociedad actual entre centenares de picantes declaraciones realizadas por Smith.
Para finalizar con el tramo relacionado con la música, quizás una de las más esperadas era I’m Not There, de Todd Haynes, un film basado en distintas vidas de Bob Dylan, el cual es interpretado por seis personas diferentes, entre las cuales se destaca la gran actuación de Cate Blanchett. La película de Haynes gusta y cuenta con una originalidad muy peculiar entre los acordes de cada tema de una de las leyendas del rock.
Lo interesante también de eventos como este es que uno puede presenciar un cine diferente, distante de aquel pochoclero hollywoodense, y Stellet Licht, del realizador mexicano Carlos Reygadas es un caso firme. La nueva película del creador de Japón, se centra en la relación de un hombre de una comunidad menonita que mantiene una relación extramatrimonial con otra mujer. El film es bastante llevadero a pesar de durar más de dos horas y tener planos bastante largos -al estilo Tarkovski- y escasos diálogos que lentifican el film; pero las muy buenas actuaciones de intérpretes casi ameteurs y una imponente belleza visual hacen que el film sea digno de verse.
Finalizada la función, pude presenciar una más que amena conferencia de Reygadas, quién comentó hechos curiosos como que se inspiró para crear una importante escena de Stellet Licht al mirar el fondo de pantalla de su computadora mientras escuchaba un tema de Sigur-Rós.
También tuve la suerte de ver diversos films de grandes directores como The Devil Knows You’re Dead, de Sidney Lumet –sobre un crimen y las complicaciones que puede traer este, con las actuaciones de Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawk y Albert Finney-, Boarding Gate, de Olivier Assayas – un correcto thriller interpretado por la bella Asia Argento-, y It’s a Free World, de Ken Loach –donde el ganador de la Palma de Oro en 2006 cautiva con un film de una cruda crítica social en el marco de la inmigración ilegal.
Debo decir que la película que más me decepcionó del Bafici fue Redacted, de Brian de Palma, donde el genial realizador de míticas obras como Body Double o Dressed To Kill, defrauda con un film aburrido sobre las diversas circunstancias de un grupo de soldaos estadounidenses en la Guerra de Irak, el cual por momentos intenta ser muy extremo y controvertido, aunque la verdad deja la sensación de muy poco.
Antes de la función de Redacted, se mostró Clarín presenta “Dos directores: Un documental sobre animarse a hacer” en donde el aclamado Adrián Caetano y Roberto Palmieri, un guardia de seguridad, hacen un corto con un mismo guión propuesto por la importante firma periodística. Hay que decir que el proyecto dista de la originalidad, y que con un guión pésimo y actuaciones que dejan mucho que desear se acerca más a lo impresentable, quedando la duda si el director de Un oso rojo quiso hacerse el gracioso y le salió mal o tan solo no quiso opacar al bueno (?) de Palmieri.
Otra buena película que presencié fue Mala Noche, opera prima de Gus Van Sant, la cual es una típica película intelectual en blanco y negro de los 80 que en este caso habla sobre la relación homosexual entre el dueño de una tienda y un inmigrante mexicano ilegal.
Tampoco debo olvidarme de Encounters at te End of the World, del renombrado realizador alemán Werner Herzog, quién con impactantes imágenes e interesantes testimonios nos muestra su viaje a la Antártica.

Para cerrar, vuelvo a confirmar que la décima edición del Bafici fue –al menos para mi- más que satisfactoria, doce días donde se disfrutó del buen cine, y aunque al finalizar el evento la nostalgia a veces es importante, se espera con ansias el próximo festival.

Merci pour la musique

2008-04-21T20:59:00.000-07:00

El domingo a la noche cuando salimos de Niceto Club con el Gitano, le decía: “que lástima los que no pudieron venir, o los que no lo conocen ¡qué recital se perdieron!”. Toda referencia de aquella noche es para el talentoso músico francés Benjamin Biolay.
Para aquellos que no saben nada de él, hay que decir que Biolay tiene 35 años y lleva una importante carrera musical en donde ha experimentado múltiples estilos como el rock, el pop, la electrónica, el jazz, el folk, como también sonidos psicodélicos o gipsys. Esto y otras tantas cosas lo hacen un músico más que interesante, y mucho de aquello se pudo comprobar el fin de semana último acá en Buenos Aires.
El multiinstrumentista-se lo pudo observar tocar la guitarra (acústica y eléctrica), el piano, la trompeta y sintetizadores- nacido en Rhône-Alphes brindó un show impecable, en donde en un transcurso superior a las dos horas repaso varios de sus mejores temas.
El denominado por muchos como el Serge Gainsbourg de los tiempos modernos, deleito con una variada selección de temas de sus diversos discos. Sonaron lindos temas como, Los Angeles, Jardín d’ hiver, Mon amour m`a baisé y Ground zèro bar; dos temazos de su último disco Trash Yéyé como Qu’est ce que ça peut faire y Dans la Merco Benz y una bellísima versión de la balada Ballade du Mois de Juin, del gran disco Home de 2004 que realizó junto a su ex esposa, la actriz Chiara Mastroianni, ¡sí! la hija del gran Marcello.
También se lo pudo ver al francés -casi siempre con cigarrillo en mano- realizar una seguidilla de covers muy bien logrados entre los que se destacaron There Is A Light That Never Goes Out de The Smiths, Clint Eastwood de Gorrillaz y el clásico jazero compuesto por Herman Hupfeld As Time Goes By, el cual se haría famoso con la película Casablanca de Michael Curtiz.
En términos generales, el concierto que dio Biolay en Niceto fue espectacular... una velada digna de codearse con las mejores, en la que la música tomo un papel fundamental ¡que bien que sonó!, y como dijo el francés en medio del recital -se le entendió mediante traductor de por medio- “nosotros no vinimos hasta acá por la discográfica o nada por el estilo, sino por la gente que disfruta de la música que hacemos”... sin mucho más que decir de mi parte concluyo de esta manera, ya que a veces una pequeña frase puede decir mucho... y también mucho fue lo que se disfrutó del show del domingo. Au revoir!!.

Noche Glam

2008-04-19T16:37:00.000-07:00

¡Viva el Glam! Sin dudas debo decir que el recital de los New York Dolls que presencié ayer por la noche fue genial, que fueron casi dos horas de un show brillante en el que se vibro la mejor música de la mano de una de las bandas icono de los setenta, quienes junto a David Bowie y Marc Bolan & T-Rex fueron construyendo un género.
La banda liderada por David Johansen-que junto a Sylvain Sylvain son los únicos miembros originales que se mantienen en el conjunto- mostró un gran nivel, una importante carisma y exponiendo toda su energía, demostraron que a pesar de que los años pasen, mantienen las ganas de tocar más intactas que nunca.
A lo largo del show, que se produjo en un The Roxy que estaba semi colmado, y tras la presentación de El Club de Marilyn-una banda Glam local sin mucho brillo-y Coverhead-una rockera que dejó mucho que desear-los New York Dolls repasaron varios temas de su último disco One Day It Will Please Us to Remember Even This, entre los que se destacó una gran versión del tema We're All In Love. Otro momento culmine fue cuando los precursores del Glam interpretaron de gran manera el tema Piece Of My Heart de Janis Joplin.
El recital tuvo varios puntos altos, en donde el público constantemente se conectó con la banda estadounidense, quienes con toda su carisma y pleno diálogo con la gente, brindaron una extensa cantidad de sus más aclamados hits.
En un momento el talentoso y simpático Sylvain empezó a jugar con el público con la arenga “Do you like pills?”, luego rió y al rato el glamoroso Johansen, con su pañuelo rosa colgado del cuello, empezó a entonar Pills para enloquecer a los espectadores.
También, en el transcurso de la velada, sonaron grandes temas de los imprescindibles discos New York Dolls de 1973 y Too Much Too Soon de 1974 como Puss ‘n Boots, Looking For A Kiss y Subway Train.
Quizás los dos momentos más espectaculares de la noche fueron cuando tocaron uno tras otro dos temazos como Trash y Jet Boy-gran versión de este último con solos de guitarra extendiendo el tema por parte de Sylvain y Steve Conte-, en tanto que el segundo instante más estremecedor fue cuando entonaron de manera brillante el clásico Personality Crisis, en donde la mayoría del público vibró como nunca en toda la noche.
En conclusión, fue un gran show... de esos que quedan en el recuerdo y uno espera que se repitan. Los New York Dolls demostraron que son una banda mítica y se encuentran con un gran presente, en donde se los vio intactos y muy agradecidos con el público de Buenos Aires, quienes le hicieron el aguante a lo largo de toda la noche. ¡Viva el Glam!¡y viva los New York Dolls!.

Barajas

2008-04-06T15:31:00.000-07:00

Como todos los domingos, la cita del poker era en un sitio ficticio llamado “El purgatorio” al que Daniel y Samuel concurrían sin falta, semana tras semana. Como era habitual mientras se mantenían en la sala de espera, estaban a punto de desenvainar sus navajas por sus ya épicas discusiones metafísicas.
Al rato, encerrado en su anorak negro y cargando su moderna arma agrícola, se empezaron a escuchar sigilosamente los pasos de Monti.
-Era hora, siempre llegando tarde, caballero- susurra Daniel mientras se secaba el sudor del bigote.
-Perdón, es que el Mustang cada vez anda peor, encima el mecánico siempre me estafa con que es un problema de dirección.
Adelantándose y relamiéndose de alegría al ver que su otro contrincante estaba en la arena de batalla, Samuel fue a la barra a servir unos martinis, no antes de poner un Lp de Serge Gainsbourg. Al minuto era el primero en sentarse en una mesa redonda que habían comprado años atrás en una subasta por Mercado libre. Agarró el mazo, se puso a mezclar y como si alguien le hubiera dado cuerda comenzó a reír diabólicamente en reiteradas ocasiones.
-¿Mucho laburo, Monti?- le dice Samuel mientras comienza a repartir los naipes.
-Sí-suspira 23 veces- a mi siempre me toca hacer el trabajo sucio, aunque sea no me complico en la oficina como ustedes, compañeros.
-Ehh, paren nos olvidamos de algo, ¿hoy toca Texas Hold ‘em, no?- pronuncia Daniel tratando de imponer su clásica autoridad.
-Obvio- dicen a coro los otros dos en tono burlón.
Entre anécdotas y carcajadas, los tres amigos comenzaron su partida. El motín iba pasando de un lado a otro de la mesa, las horas transcurrían, las copas se vaciaban y los ceniceros se sobre poblaban.
-¿Qué tal estuvo su día, compañeros?- trancurridas cuatro horas les pregunta Monti con una cara de “hagamos tiempo que si sigo así no llego a fin de mes”.
-Fue una noche muy larga, fuimos con unos locos al boliche a bailar Drum & Bass y entre un cóctel de mescalina y éter terminamos en una orgía con un grupo de colegialas a las que les entramos diciéndoles que éramos extranjeros- cuenta Samuel mientras saborea su whisky-¿y vos qué onda, Daniel?.
-Ayer fue tranquilo, fútbol con los muchachos del barrio en el parque, pero como saben a mi lo que me mata son los domingos, debo ser uno de los únicos boludos que se levantan bien temprano a laburar. Encima para escuchar a aquel que me dice “quiero estar bien de salud” o “no consigo trabajo” ¡pero malditos!¿por qué carajo no dejan el cigarrillo, los deportes extremos y compran el clasificados?.
-Sí, la gente es un desastre-dice Monti mientas mueve entre sus dedos las pocas fichas que le quedaban-, estos seres no entienden, piensan que se las saben todas y que llevan la capa de Superman. Hoy un salame empilchado de Ralph Lauren al que le dije que ya era la hora de viajar, me decía que no. Me suplicaba que corría maratones, no ingería alimentos con grasas trans, que apenas tocó a su mujer luego de realizar los votos matrimoniales, le pasaba una mensualidad a su suegra y encima no conducía borracho. Eso sí, el tan boludo tuvo la magnífica idea de quedarse colgado observándole los pechos a una joven que se cruzó en medio de Avenida Del Libertador y ¡pufff! Un taxi Renault 12 se lo llevó por delante. Y tan solo pensar que unas voluptuosas esculturas ¿naturales? se llevaron su vida “modelo”.
Sus miradas ya se perdían entre risas y rencores. Las agujas del reloj ya habían recorrido extensos kilómetros desde que todo había comenzado, en tanto que las cartas ya estaban nuevamente en manos de cada uno: un par de J para Daniel, un 9 y una Q para Monti y un 7 y un 10 para Samuel. Daniel entra con dos fichas de 10 pesos, en tanto que los otros dos igualan la apuesta. Samuel descubre las cartas y el Flop resulta ser un A, una K y un 7.
-100- tira Daniel las fichas sobre la mesa mientras prendía su cigarrillo ilegal.
-Me voy, ¡qué hijo de puta! Seguro tiene el A o una pierna- tartamudea Monti.
-¡Qué sean 100 y 200 más- lo provoca Samuel mientras se desabrocha su saco de cuero rojo.
-Pongo.
La cuarta carta o el Turn terminó siendo otro A y dejó a los dos mirándose fijamente como si estuvieran batiéndose a duelo.
-¡Rápido que no somos inmortales!- grita Monti mientras sirve otra tanda de martinis.
Ambos, como queriéndose desentender de la situación apuestan apenas cinco pesos para ver la carta final. La crucial instancia The River termina siendo un 8.
-Paso.
-¡Voy con todo!¿cuánto te queda?¿apostás o te vas a casa con apenas esas migajas?- sonríe Daniel.
-Me voy, ya fue mucha guita por hoy ¡ya nos veremos la próxima, desgraciados!.

Crónica de un show brillante

2008-03-31T14:24:00.000-07:00

“¡Qué groso, loco!¡vimos a Ozzy!” le decía a Juan... “Quiero un abuelo como él”, me contestaba mi amigo. Debo decir que el show que dio el Sr. Osbourne el domingo en el Quilmes Rock fue impecable, de alto vuelo... catorce temas con los que se vibró a full.
Fue una noche más que agradable en el estadio de River Plate. Todo comenzó-o al menos para nosotros- con la presentación de Rata Blanca, quienes brindaron un show aceptable en donde repasaron sus éxitos y sorprendieron con una buena versión instrumental del clásico de Pink Floyd Confortably Numb.
Después se dio la sorpresa de un mini show del genial Carca-el cual no estaba anunciado-, quién hizo un homenaje al rock nacional repasando tres clásicos: Despiértate nena de Pescado Rabioso, No pibe de Manal y cerrando con el hit Rutas Argentinas de Almendra. Lo lamentable de la noche fue que un grupo de energúmenos empezó a arrojarle cosas a Carca ¡increíble!, se ve que algunos no están capacitados para disfrutar de uno de los mejores músicos de la movida under de los últimos tiempos, que encima estaba interpretando de manera brillante un clásico compuesto por el inigualable Luis Alberto Spinetta ¡patético!¡de no creer!. Igual el excéntrico músico se retiró siendo irónico con aquellos idiotas, mientras los que apreciamos de la buena música le brindamos unos merecidos aplausos.
Luego vino el turno del popular grupo estadounidense Korn, de los cuales debo decir que no son de mi mayor agrado, aunque admito que dieron un show más que respetable a partir de la carisma de su líder Jonathan Davis, y hasta llegando a tener puntos altos cuando tocaron hits como Freak On A Leash, Got the Life y Blind.
De ahí en más todos comenzamos a gritar por la aparición de quién iba a ser la estrella principal de la noche, el gran Ozzy Osbourne. Unos minutos antes, como anticipo, se pudieron observar en las pantallas gigantes unos videos bizarros que interpretaba la estrella del metal, en donde parodiaba a la película The Queen de Stephen Frears y a reconocidas series de TV como The Sopranos, entre otras.
Alrededor de las 22.30, el ídolo apareció en escena y toda la multitud que se hizo presente –alrededor de 60 mil personas- empezó a disfrutar de la diabólica risa del británico, quien junto a su banda comenzaban a tocar I Don´t Want To Stop.
Decir que el recital fue increíble es poco... se gozó del mejor rock posible y de una estrella al cual parece que sus 59 años no le pesan para nada. Se lo pudo ver a Ozzy saltar, correr de aquí para allá, levantar al público con sus reiteradas arengas y hasta mostrar su trasero en medio del show.
El ex líder de la fenomenal Black Sabbath deslumbró con varios de sus geniales éxitos al tocar clásicos como Bark At The Moon, Mr. Crowley, Change The World y Mama I Coming Home, así como también grandes temas de aquella mítica banda del metal como War Pigs, Carzy Train y Iron Man.
¿Se preguntan por el cierre? Qué más que el monumental temazo Paranoid para hacer explotar el estadio y dejar emocionados a todos los fanáticos con una versión sublime.
Fue una noche inolvidable para todos los que dimos el presente, un recital como hace bastante no se veía, el cual tuvo toda la energía y la carisma de un grande, quién más de una vez se lo pudo ver sonreír y quedar deslumbrado por la pasión del público argentino, de aquellos que aman la música y humildemente le decimos ¡Gracias Ozzy!.

Estupor

2008-03-26T21:42:00.000-07:00

Era una tarde de transición entre el verano y el otoño, las almas no sabían si transpirar o caer, cada instante era una pregunta, una secuencia de lo que estaba sucediendo en lo profundo de su ser, en esas ventanas que cada vez se venían abriendo más y hacían parecer que lo que se encontraba lejos, cada vez estaba más cerca.
La ciudad estaba loca, se mareaba sola, y el joven caballero que transitaba por tales aceras se encontraba desorientado... mucha gente, ruidos, carteles y encima todo lo que venía pensando que hacía que su latidos crezcan atrozmente.
De repente, mientras una canción de jazz escuchaba, sintió una vibración en su muslo izquierdo y se sorprendió, por lo que paró su marcha por un segundo. Era ella, aquella princesa que el destino le venía manifestando que cada día tendría mas importancia en su vida. Al principio sonrió, luego se dispuso a intercambiar una que otra frase con ella; pero al rato, el tiempo se detuvo, él ya la venía notando distinta, no en su esencia, sino en su estado anímico que venía levantando vuelo.
Todo le parecía que empezaba a flotar y girar, él se quedó paralizado, el rumbo de la situación había cambiado, o mejor dicho estaba llegando a su punto culmine. El muchacho optó por bajarse de su caballo y recostarse un rato en un enorme ombú que había visto. Ya no se podía mantener más en pie, su cuerpo le sudaba y de a ratos temblaba, era como si ella con su energía le estuviera pasando toda esa excitación que contenía.
Nada tenía ya que ver con nada. La tecnología hace rato había dejado de tener la función de tecnología para ser tan solo el medio de un intercambio placentero, mágico y encantador.
Él no comprendía mucho de lo que pasaba, pero sí que lo disfrutaba; hasta que de repente sintió que se escuchaban unas bellas melodías de infinita pasión entre rubíes y botes que chocaban entre olas de almejas empapadas, desparramando una mezcla de gritos entre el cantar de unos pájaros, para hacer volar un poema e incrustarlo en un aura.
Ella le contagió los suspiros, después entre palabras entrecortadas y tartamudeos no intencionales, pudieron apreciar una sonrisa mutua, un momento extraño, loco, diferente y hasta sorprendente para una rutinaria tarde que ya era atípica, para terminar siendo de aquellas que perduran en la memoria.
La intercepción de almas ya se había cortado y con una canción había finalizado, entonces el miró el cielo, se enterneció con esa estrella que no estaba, pero si observaba y continuó su travesía, la cual ahora sería una aventura mucho más que atractiva, al compás de aquellas melodías que no se borrarían.

Creado en 2007.

Presenciando a una leyenda

2008-03-17T22:04:00.000-07:00

La noche del sábado fue más que agradable, ya sea por lo cálido del día, como por lo que implicaba sentimentalmente tener a un ídolo tan de cerca. Eran más de unas 20 mil personas que concurrieron al estadio de Vélez Sársfield que podrán decir que presenciaron un buen show de uno de los mitos vivientes de la música. El que estaba frente a la multitud era el gran Bob Dylan que a lo largo de casi dos horas repaso a través de 18 de sus temas, una parte del genial repertorio de una carrera brillante.
Fue un recital de aquellos históricos, en donde por momentos dejaba de tener relevancia si el show que brindaba el estadounidense era más o menos extraordinario, ya que de seguro para los que se hicieron presentes quedará en el recuerdo que a partir de que arrancó el espectáculo cuando comenzó a sonar Rainy Day Women #12 & 35, de aquel momento hasta el final dio la sensación -y la emoción- de tener a una de las leyendas del rock a tan solo unos metros.
Retrocediéndose un rato en el tiempo hay que decir que se hizo presente como telonero León Gieco, quién contó en el final de su presentación con la colaboración de Gustavo Santaolalla, en tanto que casi cuando estaba finalizando su repertorio se dio la primera gran sorpresa de la noche, la presencia de otra leyenda del rock: el genial Charly García, quién toco la guitarra eléctrica y cantó junto a Gieco, haciéndose presente con el discurso “todo sea por Bobby”.
Pero volviendo a lo central de la noche, hay que decir que Dylan brindó un buen espectáculo, en donde fue acompañado por un muy buen grupo de músicos, en una velada que lo vio al estadounidense tocando la guitarra eléctrica en los tres primeros temas, para a partir de ahí asentarse en el órgano hasta la culminación del show.
A lo largo de la sesión, hay que decir que Dylan repasó grandes temas su último y gran disco Modern Times, como también realizó grandes interpretaciones –y versiones totalmente distintas como suele acostumbrar- de grandes hits como Lay, Lady, Lay, Watching The River Flow, Just Like A Woman, Highway 61 Revisited, Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again, All Along The Watchtower y el legendario clásico Like A Rolling Stone, en donde se observó vibrar al público con mayor esplendor a lo largo de la noche.
Por otro lado, quizás el momento más llamativo del concierto, fue cuando Dylan interpretó el clásico Blowin´ In The Wind, el cual fue tan reversionado que hasta se podía notar a los más fanáticos desconocer de que tema se estaba tocando cuando sonaban los primeros acordes.
En planos generales fue una buena función, de la cual se le pueden reprochar pequeñas cosas como el casi nulo contacto de Dylan con el publico -faltó el típico “Hola Buenos Aires, Argentina...”-, como que tampoco haya tocado la guitarra acústica que tanto lo caracteriza. Algunos habrán dicho ¿por qué, Bob?, pero en fin, los maestros son así, a veces tienen sus cosas (como todos las tenemos), por eso solo hay que disfrutar de su arte, de gozar de haber tenido la oportunidad de tener tan de cerca a la leyenda del rock.

Vida

2008-03-03T19:53:00.000-08:00

Era un cuartito muy diminuto en el subsuelo de una vieja casa. El sitio era muy oscuro, con pisos disparejos de una añeja y podrida madera, en donde sobresalía una importante humedad en las maltratadas paredes.
En el centro de este lugar, sentado en una pequeña banqueta y debajo de una lamparita que proporcionaba sus ultimas chispas de vida, se encontraba un joven solitario y muy cansado. Su aspecto era de un hombre treinta años mayor a lo que era en realidad. Ya su juventud se había transformado en olvido, sus cabellos parecían nubes a punto de sacudir una tormenta, mientras que su rostro se derrumbaba y sus expresiones se habían ido de viaje hace siglos. Pero la karma de su existencia y lo que más lo había maltratado en su vida era que sus piernas se habían quedado corriendo en un campo lejano de sueños vacíos.
Con todo el esfuerzo posible, trataba de alzar la cabeza para contemplar el único brillo que se encontraba en la habitación, pero lo veía como algo lejano, como de otra vía láctea. Sus uñas estaban verdes, sus muñecas rasgadas y sus ojos transparentes.
Ya casi no podía ver, y aunque pudiese le costaba mucho levantar sus párpados. La pastilla lo había desgastado, se la pasaba el día dentro de su vigilia imaginaria. El fin se acercaba cada día más, pero a su vez los días eran tan intensos que duraban años. Las pesadillas lo perseguían en su mundo de fantasía, en tanto que su realidad lo maltrataba tanto que ansiaba con volver a ese infierno.
Uno de las tantas tardes que trató de acabar con toda esta historia, no se mantuvo en equilibrio y se cayó de su asiento golpeándose el cráneo contra el suelo. Al rato empezó a sentir mucho frío, su cuerpo se congelaba, y la nieve que empezaba a caer en la sala en enormes cantidades, lo iba cubriendo. Sentía que estaba por volver a quedar inconsciente, que el desmayo era crónico.
Al cabo de unos minutos se encontró arropado y con el calor de una fogata. Él no entendía lo que estaba sucediendo, pero lo que más le sorprendió fue cuando giró su mirada y vio a un niño de unos dos años, de enorme cabeza pelada que lo miraba fijamente con sus ojos blancos.
El bebé puso a calentar en una olla una bebida de un color parecido al té, y cuando hirvió le convido al desolado hombre.
Con el primer trago sintió un calor que en su vida había experimentado. De a poco recobraba sus energías perdidas, su piel como por un arte sobrenatural volvía a tener color y sus heridas se sanaban, mientras que él, que no estaba acostumbrado a pronunciar palabra alguna sentía como sus cuerdas vocales se volvían a unir.
-¿Dónde estamos?.
-En el momento más hermoso que se puede llegar a estar. En un lugar donde el tiempo no progresó, el pasado se olvida, el presente no te asfixia y el futuro no es importante. En donde los días no se sufren y las noches no te hacen sentir solitario.- le responde el niño sabiamente.
-Pero...¿quién eres y qué será de nosotros?.
-Yo no soy nadie y tu tampoco, nunca lo fuimos. Somos microorganismos que recorrieron su camino flotando en una burbuja de sentimientos, los cuales transcurren en eso que se llama vida. Esa historia que unos tienen la suerte de superarla satisfactoria o erradamente. Pero solo tengo unas palabras por decirte, amigo. La vida dura lo necesario para cada uno, pero al final solo quedan los sentimientos.
A las nueve de la noche, como era habitual en la rutina diaria, la enfermera abrió la puerta para dejarle la cena a su paciente, pero todo estaba totalmente oscuro. Prendió su linterna y observó que tal hombre estaba tirado en el suelo rodeado de una laguna de sangre congelada, en tanto que la lamparita que colgaba del techo nunca más iluminaría nada.

Creado en 2006.

Reminiscencia abstracta

2008-02-21T20:18:00.000-08:00

Estaba sentado, casi en la cima de la colina. Una leve brisa me despeinaba mientras me acariciaba el bigote. Arriba un manto gris, debajo luces de colores. Mascaba mi eucalipto mientras abría mi botella de vodka.
Mi percepción comenzó a desequilibrarse y delante de mis gafas se incrustó la imagen de una fiesta, seguramente pagana. Transcurría como en un rancho, una zona campestre decorada como arbolito de Navidad.
Aquella joven bailando totalmente desnuda saboteó mi mente, ella hacía algún truco extraño con guirnaldas mientras los demás babeaban y reían. Era un sitio muy clandestino, drogas por doquier, cabras bebiendo whisky de enormes barriles y unos sonámbulos masticando el herbaje.
¡Pero qué cruda era la postal! Esa niña ni tendría quince años y estaba siendo descuartizada como un pollo, enormes tijeras de podar le hacían crujir los huesos. ¡Jugo de fresas para todos! Y ese degenerado que menos de ochenta años no tendría, bebía como un puerco.
Las láminas se unían al compás de las cascabeles, los colores se iban moldeando, como en una enorme paleta de oleos a medio usar... y aquel otro tocaba, artista se hacía llamar. ¡Qué ruin! Y había truenos, cada vez más... y el Mi menor seguía desafinado.
Todo era desalentador. Ese mentiroso que predicaba oraciones tan burdas que hasta aquel omnipotente que nunca existió se echaría un vómito. Esperé por una batidora que no aparecía y al instante llovió, pero todo seguía igual, excepto que a varios se les dio por nadar.
Luego atrajo mi atención un lunático que me resulto conocido, este prendió su enorme puro mientras se hamacaba en su silla de madera. De pronto desenfundó una preponderante ametralladora, creo que era una MG-34, mientras se colocaba unos auriculares.
Entonces, como si nada, comencé a escuchar a David Bowie cantar el tema que dice “Let's dance, for fear your grace should fall... Let's dance, for fear tonight is all”. Las comisuras de mis labios se acomodaron, reí a carcajadas y comencé a gozar como hace demasiado no lo hacía.¡Qué lindo!

Caminos

2008-02-17T20:59:00.000-08:00

Había sido un día agitado. Entre tambaleos, ella se sentó en el escalón de la vereda de su casa. Suspiró, luego revoleó su sombrero y optó por secarse el sudor de la frente con la manga de su camisa.
Estaba algo deprimida y mareada. De repente, apareció un enorme bloodhound que comenzó a lamerle sus tobillos descubiertos. Ella le preguntó por la sensación térmica. “39 grados Celsius”, le respondió este.
Le ofreció de sentarse a su lado y de su cartera sacó una cigarrera de plata de la cual le convido uno de sus Virginia Slims. Al caballero de largas orejas le hubiera gustado hablar de Stravinski, Bartók o Schönberg, pero terminó escuchado de divorcios, intentos de suicidio y compañías de cirugía plástica. Entonces optó por el disfraz de tolerante y escuchar mientras expulsaba argollas de humo por la boca.
El rostro de la dama iba mutando a cada minuto, sin querer la charla comenzaba a tomar gusto y se volvía cada vez más sugestiva, hasta que entre lágrimas de cotillón se sumó la anécdota de un marido muerto y una hija de la cual la separaron por su excesivo consumo de estupefacientes. Esto último la terminó quebrando, comenzó a llorar cada vez más, sus ojos se hallaban abarrotadamente empañados y empezó a maldecir la vida en reiteradas oportunidades.
Se desabrochó dos botones de su camisa y se ató el cabello. Se había dado cuanta ya hace unos extensos minutos que era ella la única que estaba hablando, aunque también sabía que no podía detenerse. Hasta que se decidió por cesar y concederle la palabra.
“Estuve casado y también tenía una hija. Hasta que un día por error me bebí la limonada de mi esposa y sucumbí. Al principio todo me parecía extraño, aunque de a poco fui observando que la única diferencia era que antes solo a veces debía caminar en cuatro patas, en tanto que respecto a lo demás, todo es muy similar: comer, vagar y azotar sexualmente a una que otra dama en celo”.
Ella optó por acariciarlo. Comenzó por deslizar las yemas de los dedos de su mano derecha por el pellejo de su compañero. Él la miraba fijamente, sus ojos eran verdes como agua salada, y ella quería dejarse sumergir, como si no temiera hundirse.
La dama comenzó a excitarse como hace tiempo no lo hacía. Sus párpados ya estaban desorbitados y tuvo que morderse los labios para no comenzar a gritar. Se sentía reluciente, el estrés se marchaba y a su vez se encontraba inmersa en una fábula que no ojeaba hace años.
Pero él fue el primero en recuperar la conciencia, por lo que se paró para marcharse. Ella, desorientada, le cuestionó porqué.
“Solo el hombre es tan negligente que comete un error en dos oportunidades” le respondió, y de baldosa en baldosa comenzó a silbar.

Una grata sorpresa

2008-02-13T20:40:00.000-08:00

Más de una vez en los últimos años he escuchado por uno que otro rincón acerca de lo mal que se encuentra el cine argentino en los últimos tiempos, y de lo difícil que es realizar una producción que valga la pena, ya sea por falta de ideas o presupuesto.
Desde mi punto de vista, debo decir que esto no es del todo cierto, porque a pesar de las falencias que todos conocemos y la poca cantidad de público que consume cine nacional, hay obras que destacar, entre las cuales se haya la magnífica La antena de Esteban Sapir.
Aunque gran mayoría de títulos han pasado sin demasiada relevancia por los cines o han aparecido otros demasiado nefastos, se puede decir que aunque la película de Sapir no tenga algo que se le parezca, si hay interesantes predecesoras que deberían verse dentro de la moderna primera década del siglo XXI. Son los casos de la genial El aura del fallecido Fabián Bielinsky, la interesante y muy bien lograda visualmente XXY de Lucía Puenzo, la provocadora e independiente TL-1: Mi reino por un platillo volador de Tetsuo Lumière o más que agradables películas como Tiempo de valientes de Damián Szifron o Derecho de familia de Daniel Burman.
Pero pese a las pocas excepciones a la regla no es totalmente descabellado pensar que el cine argentino se encuentre en dificultades creativas, y más aun luego de la muerte de Bielinsky en 2006, quien para muchos era el realizador con mayor proyección a futuro. Pero las esperanzas nunca se pierden y queda demostrado que jóvenes como Sapir pueden crear cosas diferentes, creativas, completamente artísticas, y de un nivel visual cercano al del primer mundo.
La antena es un film de sumo interés, de un sólido guión escrito por Sapir, quien crea un mundo fantástico y personajes cautivantes para lograr una muy buena película, que resalta en diversos aspectos técnicos como la cuidada fotografía en blanco y negro de Cristian Cottet, la dirección artística de Daniel Gimenberg o la fenomenal música de Leo Sujatovich, quién logra decorar de manera magistral cada escena a lo largo del film.

La película trata acerca de la población de una ciudad que se ha quedado sin voz, y de cómo el Sr. TV (interpretado por Alejandro Urdapilleta), un magnate dueño del único canal de televisión, domina a toda la gente con las imágenes que expone en la pantalla, con las cuales termina hipnotizándolos para que también adquieran todos los productos que su compañía ofrece. Tales imágenes televisivas funcionan gracias a una máquina que es activada gracias al canto de la única mujer (Florencia Raggi) del sitio que aun tenía el don del habla. A todo esto, el siniestro plan del Sr. TV será apoderarse de cada una de las almas de las personas del lugar.
Pero un empleado del canal (Rafael Ferro) se da cuenta que la dama es secuestrada y con la ayuda de su hija y su ex esposa intentará disolver los planes del malhechor al descubrir que el hijo de la raptada también podía hablar, y al cual si lleva a la antena que se encuentra en las afueras de la ciudad podría hacer retornar la voz y la prosperidad en la multitud y así derrocar al imperio del Sr. TV.
A lo largo del film, se puede destacar un constante homenaje al cine mudo, especialmente a clásicos como Le voyage dans la lune de Georges Méliès y Metropolis de Fritz Lang, en una película que es muda en casi su totalidad. Por otro lado, se pueden vislumbrar importantes influencias que pueda haber recibido Sapir tanto de diversos comics clásicos norteamericanos, como del cine soviético -especialmente de Sergei Eisenstein- o de importantes exponentes del expresionismo alemán como Friedrich Murnau y Lang; o también de la estética que caracteriza a realizadores contemporáneos como Terry Gilliam y principalmente Tim Burton.
En fin, hay que decir que La antena es una obra que propone algo diferente, desde lo excéntrico de sus personajes hasta su exquisitez visual enmarcada en un bello mundo de fantasía que los tendrá expectantes un poco más de hora y media que dura el film, el cual demuestra con creces que en Argentina no todo esta perdido y que se pueden realizar grandes películas como esta.

Granos

2008-02-11T09:30:00.000-08:00

Estábamos en un sitio lleno de luz, rodeados de cerámicas blancas, arriba de un mueble de madera, más precisamente en un gran balde de porcelana decorada con bellos cuadrilles escoceses.
Éramos yo y mi amada amontonados por un montón de seres de nuestra especie dentro de ese asfixiante sitio. La cápsula que nos evitaba ver la luz se habría cada tanto, pero hoy sentíamos que iba a ser nuestro día. El día de huir de ahí, de huir a otro lugar que aún no conocíamos, ya que todos lo que se fueron nunca habían vuelto y nunca más supimos acerca de ellos.
Pero al fin llegó el día. El mutante de aspecto femenino, jamás olvidaré lo bella que se veía con su delantal, levantó el techo de nuestro hogar, o mejor dicho de nuestra prisión.
De pronto nos encontramos sobre un enorme artefacto de metal que ella sostenía con dos de sus dedos. El vértigo era enorme, pero la emoción de lo desconocido y fuera de lo común alteraba todos los factores internos de mi ser.
A los escasos segundos, me di cuenta que nos encontrábamos muy arriba, estábamos casi por tocar el brillante cielo rodeado de uniformes estrellas en sus extremos. Para que se den una idea, sentí la sensación de estar a punto de saltar de un altísimo trampolín cuando vi lo que nos deparaba ahí abajo.
Arriba de la superficie y debajo de todos nosotros se encontraba una enorme olla roja con un aro que se ubicaba en su exterior, mientras que resaltaban impecables dibujos de casitas y carrozas del siglo XVIII alrededor de sus 360 grados.
Reiteradas veces le dije a mi amada que no entendía lo que sucedía, pero ella debido al pánico que causó la situación, ya se encontraba desmayada como muchos de los que no entendíamos a donde íbamos a ir, lo cual por la cercanía parecía que era esa olla llena de ese enorme océano oscuro que nos acercaba su intenso vapor y su aroma tropical.
De a poco todo se iba tornando mas negro, ya mi audacia se había transformado en locura, mis ojos se iban cerrando y todo lo dulce de mi ser se iba amargando cada vez que fraccionaban las milésimas de segundo.
Al principio, ya por el calor que iba sintiendo, me empezaron a perseguir las leyendas que me contaba mi abuela acerca de que los de nuestra especie se transformaban en caramelo cuando llegábamos a un determinado punto de calor en nuestro cuerpo. Pero eso no sucedió.
De pronto ese gigante elemento de metal en el que nos encontrábamos empezó a moverse, y por lo tanto todos nosotros empezamos a flotar en el aire como polvo de estrellas. Era una mezcla entre volar y lanzarse de un paracaídas, pero en realidad no lo sé, ese diminuto espacio de tiempo fue increíble, quizás lo mejor que me haya pasado en la vida.
Después de todo eso sentí un calor tan inmenso como si hubiera accedido al centro del sol. Lo que sucedió luego, no lo recuerdo, ni tampoco creo que algún día se los pueda llegar a contar.

*Creado en 2006

Escribir

2008-02-08T19:53:00.000-08:00

La labor de escribir es hacer magia, decorar algo desde tu propia visión. De repente ver una hoja o página en blanco y de a poco ir creando un mundo a tu antojo. Algo que solo es de uno, pero que luego podrá compartir con el resto y discutir cuantas miles de interpretaciones haya.
Generalmente se podría decir que uno escribe desde chico. Se empieza con una letra que adorne los mamarrachos y de a poco a través de garabatos ir formando las primeras palabras, que luego serán oraciones.
Si me inclino a mi experiencia personal, debo atribuir lo anteriormente dicho a mi prontuario ¿pero qué viene después?. Uno se da cuenta que puede ir uniendo muchas oraciones, las cuales quizás luego deriven en historias. En lo que respecta a mi persona, no recuerdo cual fue mi primer texto o historia, pero si cuando comencé a sellar mi inmortal relación con la materia.
Alrededor de los diez años, cuando me encontraba en el cuarto grado de la escuela primaria, tuve un maestro que quizás haya sido el que me dio aquel empujón necesario para dedicarme a esto. El se llama Pablo y recuerdo que en esos tiempos inculcó en la mente de sus alumnos el término “narración”.
A partir de ahí vendrían las mil y una narraciones. Recuerdo que mi amigo de toda la vida-y también compañero en al escuela-, el Ruso, y yo comenzamos a crear historias constantemente. Los cuentos y películas de terror fueron de gran inspiración en aquellos tiempos lejanos. Mis ídolos en esa etapa generalmente eran los malos y recuerdo un fanatismo íntegro por Mumm-Ra y Freddy Krueger, siendo este último culpable de la creación de mi alter ego ficticio en aquellos tiempos: Tom Krueger.
Es desbastadamente limado ponerse a pensar en aquellas creaciones: narraciones o cuantos cortos de terror, monstruos y ultra violencia que si los llegara a leer ahora me tendería a carcajadas un largo rato de aquellos bizarramente brillantes textos que ni se los podría clasificar dentro de la clase B.
Eran épocas distendidas, de niñez y millones de sueños. Siempre recuerdo que el Ruso y yo soñábamos con ser directores de cine y en cierta medida lo que hacíamos era cine escrito, no pensaba en los textos como literatura, sino como en cine, cada palabra estaba visualizada en mi mente como si fuera una película.
Después, pasados unos cuantos años, vendría una etapa de transición, el cine quedaría como un gran hobby y de a poco empezaría a enrolarme cada vez más con el mundo del periodismo, que fue en lo que comencé a incursionar al finalizar la escuela secundaria.
A mis 18 años fue cuando me inscribí en la universidad a estudiar periodismo, y cómo una de mis grandes pasiones siempre fueron los deportes comencé a estudiar acerca de esa especialidad. Desde el comienzo hasta recibir el diploma, fueron tres años de redactar cientos de notas, opiniones, entrevistas, ensayos y monografías. Etapa en la que aprendí muchísimo, y de a poco fui entendiendo eso de verle el otro sentido a las cosas, los hechos... a todo.
Pero como se esta hablando de escribir, quizás la faceta más emocionante de todo esto sea la literatura, en la cual me siento involucrado hace largos años produciendo cuentos, relatos, una que otra novela frustrada o abandonada y hasta a veces poemas y canciones.
La literatura es algo formidable, una melodía que no tiene límites dentro de nuestros pensamientos, que nos inspira a pensar, razonar e interactuar constantemente con todo tipo de universos.
¡Escribir!¡qué bello es!, nunca dejen de hacerlo, no le prohíban a esas alas postizas el sueño de impulsarse y volar, de encontrar nuevos destinos y horizontes, flamantes universos entre los cuales fantasía y realidad o sueño y vigilia conviven juntos. Cierren los ojos y que comienze una nueva historia...